Para esta pequeña reseña del monitor de cámara LCD FeelWorld FW279 de 7″, lo comparo con mi LCD SWIT CM-55c de 5.5″. En los papeles, se trata de 7” vs 5,5″ y 2200 nits contra 450 nits, pero la experiencia en el mundo real nos dice que hay más que eso. Una cámara no es nada sin un monitor. Dado que los días -puramente ópticos- del analógico se han ido, necesitamos algún tipo de visor electrónico o monitor de cámara para ver qué está haciendo la misma. Esta es una parte esencial de nuestro sistema de cámara de preferencia y es por eso que los visores electrónicos tienden a ser bastante caros. Los monitores de cámara, por otro lado, vienen en una amplia gama de tamaños, características y rangos de precio. El hecho de que necesites un monitor de cámara adicional para tu director, tu Asistente de Cámara o para ti mismo puede reducir un poco esta lista, pero al final tienes que elegir. Para mí la elección pasó por el precio vs características. Necesitaba un LCD asequible, pero con muchas funciones para mi gimbal Ronin-S. Dado que ambos, el FeelWorld FW279 y el SWIT están muy por debajo de los $300, pensé que podría ser una buena idea compararlos. Lee mis conclusiones iniciales sobre el mencionado SWIT CM-55c aquí. El LCD ultrabrillante FeelWorld FW279 de 7″ Dos conceptos en boga hablan de este modelo de FeelWorld en comparación con el SWIT. Es de 7” en lugar de 5,5″ y tiene una pantalla de 2200 nits, lo que puede ser una buena opción cuando se filma con luz solar abundante. Brillante y grande, pero ¿sirve de algo? Para mí personalmente, el tamaño del SWIT es más adecuado para el Ronin-S, que de por sí ya es bastante grande, para ser sincero. Realmente no necesito una pantalla de 7″, ya que casi siempre estoy muy cerca de la pantalla cuando uso el gimbal. 2200 nits en comparación con 450 nits pueden sonar increíbles, pero en realidad descubrí que el SWIT de 450 nits es suficiente para mi trabajo. No nos equivoquemos, es cierto que el FeelWorld es mucho más brillante, pero la pantalla también es súper reflectante, lo que dificulta mucho el trabajo con luz solar directa. El Swit viene con un parasol endeble, pero es mejor que nada, al menos para mí. Prefiero colocar un parasol a tener una pantalla súper brillante pero que causa reflejos. El parasol del SWIT no es genial, pero por lo menos te dan uno. El FeelWorld no trae ni un parasol, ni tampoco algún tipo de soporte de montaje para colocarle uno. La imagen se ve bien en el FeelWorld, tiene muy poco retraso de entrada y los colores se ven correctos a mis ojos. A la luz del sol, los 2200 nits superan muy bien a los 450 nits del CM-55c, pero como dije anteriormente, la pantalla en sí es bastante reflectante, por lo que sigue siendo un poco difícil ver qué sucede mientras estamos fuera. Un parasol habría sido un excelente agregado, creo. Hardware En general, el chasis de ambos monitores se sienten muy de plástico y bastante livianos. Al montar el SWIT en un brazo Noga, debes tener cuidado de no romper el plástico. Por otro lado, el SWIT viene con dos puntos de montaje de 1/4-20 (uno en la parte inferior, uno en el lateral), mientras que el FeelWorld solo viene con un solo punto de montaje en la parte inferior. Montaje de un brazo articulado en el FeelWorld FW 279. Ambos monitores son solo para HDMI (hay otro modelo de FeelWorld con entrada/salida SDI, pero cuesta más de $300). El SWIT solo ofrece una entrada HDMI, mientras que el FeelWorld también tiene una conexión en bucle. También viene con un conector para auriculares y, realmente no sé por qué, un altavoz en la parte posterior de la unidad. ¿Por qué alguien querría un altavoz en su monitor de cámara? Me tomó un tiempo descubrir cómo bajar el volumen a cero porque el altavoz comenzó a emitir un horrible sonido de retorno cuando lo conecté a la cámara y, por lo tanto, al micrófono incorporado. El SWIT tiene un conector para auriculares pero no posee ningún altavoz. Bien. Además, el SWIT admite baterías Canon LP-E6 o Sony NP-F en su compartimiento de 2 baterías, ¡lo que me parece bastante bueno! Compartimento de batería del SWIT CM-55C. También puedes cargar otro dispositivo con la batería conectada al SWIT, por ejemplo, tu cámara. Solo necesitas un acoplador de CC que se ajuste a tu cámara y un cable para conectar el acoplador al SWIT. Sin embargo, la salida de energía no está regulada, así que asegúrate de verificar los requisitos de entrada de alimentación de tu cámara antes de conectarla. Una cosa tal vez menor es el interruptor dedicado de on/off en la parte posterior del SWIT. Hago hincapié en esto porque el FeelWorld viene con 8 botones en la parte superior de la unidad y uno de ellos es el botón de encendido. Si lo presionas una vez, aunque sea por una fracción de segundo, el monitor se apagará. O, quizás aún peor, podría encenderse en tu bolso si tiene una batería conectada y el botón se presiona accidentalmente. Hablando de energía, el FeelWorld se alimenta con una batería Sony NP-F o una entrada de CC de 12 V a través de un conector estándar. La placa de la batería parece ser intercambiable, pero no pude chequear esto. En la placa superior de este monitor hay 8 botones en total: el interruptor de alimentación ya mencionado, 4 botones de flechas, 2 botones de función personalizados y un botón de menú. Los botones de flechas son para navegar por el sistema de menús y esto es un proceso un poco intrincado. El sistema de menú en sí es bastante rudimentario y tendrás que lograr mucha memoria muscular para navegar con estos 4 botones sin mirar… yo apagué accidentalmente la pantalla más de una vez. Puede que no se vea bonito pero cumple con el trabajo. Puedes personalizar valores como la temperatura color, el brillo, la saturación y la ganancia de rojos o verdes, por ejemplo. Todo está ahí, pero a veces es un poco difícil llegar allí. Como el FeelWorld presenta unos tremendos 2200 nits, me pareció interesante comprobar la duración de la batería cuando se configura con el brillo máximo (que es demasiado brillante para tomas en interiores, por cierto). Con una batería Atomos 5200mAh/38.5Wh tipo NP-F, pude alimentar la unidad por 2 horas solamente. El SWIT consume solo 5,5 W en comparación con los 18 W del FeelWorld, por lo que puedes usarlo para siempre con una sola batería. Ambas unidades se calientan bastante, el FeelWorld casi que quema, diría yo. El SWIT solo tiene una perilla (más el interruptor de encendido en la parte posterior). Esa perilla es un joystick de cuatro direcciones más un botón. Es bastante parecido a la serie 500 de SmallHD. Una vez que nos adentremos en el software, sabrás por qué. Justo al lado del joystick está el segundo punto de montaje de 1/4-20. Con él puedes utilizar el soporte giratorio suministrado para montar el SWIT en la zapata de tu cámara. Software Lo que es aún más importante es el software con el que funciona la pantalla. Y en ese sentido, el FeelWorld realmente se siente un poco barato. Como se dijo antes, el sistema de menú es realmente rudimentario. Todo está ahí, pero parece que estás operando un DOS en tu computadora de los 90. El SWIT es mucho más intuitivo, aunque a veces el joystick, especialmente el botón central, es un poco flojo. Una diferencia importante entre ambos monitores es la capacidad del SWIT para cargar LUTs a través de la tarjeta SD. El LCD FeelWorld no posee un lector de tarjetas SD y no es compatible con LUTs en absoluto. ¡Eso es una desilusión! El SWIT admite LUTs a través de la tarjeta SD. El SWIT trae pre-cargadas una gran cantidad de perfiles Log-> Rec.709 para diferentes cámaras, pero también puedes cargar tus propias LUTs a elección. Al igual que la serie 500 de SmallHD, puedes crear páginas con diferentes grupos de herramientas. Por ejemplo, armas una página con guías de 2,35:1, peaking y cebras al 95%, otra con solo una LUT y otra con Color Falso para verificar la exposición. Una vez que las páginas están configuradas, puedes desplazarlas con el joystick. El FeelWorld también ofrece estas herramientas, pero debes volver al sistema de menú para todos y cada unos de los cambios. La única excepción son las dos teclas F que se pueden asignar para las dos herramientas más comunes, como el peaking o el histograma. Especificaciones Para poder comparar estos dos monitores necesitamos algunos números. Estas son las especificaciones más importantes de ambos monitores: FeelWorld FW 279 Tamaño de la pantalla: 7.0″/17.8 cm Resolución de pantalla: 1920 x 1200 Relación de aspecto: 16:10 Ángulo de visión: Horizontal: 160 ° Vertical: 160 ° Brillo máximo 2200 cd/m2 Relación de contraste: 1200:1 Consumo de energía: 18W en el brillo máximo Dimensiones (ancho x alto x profundidad) 7.09 x 4.72 x 0.98″/180 x 120 x 25 mm Formatos de video: DCI 4K (24 fps)/UHD 4K (hasta 30 fps)/1080p (hasta 60 fps) SWIT CM-55c Tamaño de la pantalla: 5.5″/14 cm Resolución de pantalla: 1920 × 1080 Relación de aspecto: 16:9 (ajustable a 4: 3) Ángulo de visión: Horizontal: 178 °; Vertical: 178 ° Brillo: 450cd/m2 Relación de contraste: 1000:1 Consumo de energía: 5.5W Dimensiones (ancho x alto x profundidad) 6.14 x 3.07 x 0.79″/156 × 78 × 20 mm Formatos de video: UHD 4K (hasta 30 fps)/1080p (hasta 60 fps) De modo que, en términos de especificaciones, estos dos monitores en realidad no están muy lejos entre si. Solo tienes que elegir lo que necesites. Si necesitas un monitor súper brillante, pero al mismo tiempo ligero y relativamente barato, para uso en exteriores: opta por el FeelWorld FW 279. Si necesitas LUTs y las 5.5 pulgadas son suficientes para ti: elige el SWIT CM-55c. ¿Quieres ambos? Ve con el nuevo monitor de la serie 7 de SmallHD, por ejemplo… Pero ese es 7 veces más caro que el FeelWorld. Lo que tienes es lo que pagas. Ambos monitores ofrecen un montón de funciones de software para juzgar la imagen, por supuesto. FeelWorld FW 279 Histograma Asistente de Enfoque con Peaking (rojo, verde, azul, tres colores opcionales para resaltar las partes enfocadas de la imagen) Colores falsos/Exposición Cebra Cuadrícula de nueve sectores & Marcador central Modo de Escaneo (Under scan, Over scan) / Zoom (4x, 9x, 16x) / Pixel a píxel Modo anamórfico (Ampliaciones de 1.3x, 2.0x, 2.0x) Área segura (80%, 85%, 90%, 93%, 96%, 2.35:1) Marcador de relación (4:3,13:9,14:9,15:9,16:9,1.85:1, 2.35:1) Color del marcador (rojo, verde, azul, blanco, negro） Check Field (Rojo/Verde/Azul/Monocromático) Volteo de imagen (H, V, H/V) Congelación de imagen SWIT CM-55c Zoom y Paneo rápido de 2x y 4x Asistencia de enfoque y ajuste de precisión. Forma de onda/Vector/Histograma más de 20 LUTs 3D De-log incorporados 3DLUT de Usuario DIT importado por tarjeta SD Pantalla de medidores de audio HDMI de 2 canales Super Color Falso, rayas de cebra, anamórfico Volteo de imagen Conclusión Personalmente me gusta mucho el SWIT CM-55c. Es liviano, está repleto de funciones, es barato y es perfecto para mi Ronin-S. El FeelWorld de 7″ habría sido un poco demasiado voluminoso para esto, creo. Además, carece de soporte para LUTs y eso es esencial para mí. Cuando grabo con mi FUJIFILM X-T3, lo configuro en la grabación F-Log todo el tiempo. Realmente no necesito una conexión HDMI de bucle, pero hubiera sido bueno tenerla. Todo es cuestión de tomar decisiones, y lo que yo prefiero es usar el SWIT en vez del más grande y brillante FreeWorld. Ninguno de los dos monitores tiene buena calidad de construcción, pero eso es comprensible en relación con el bajo precio. El mencionado SmallHD serie 7 es un monitor muy superior, no hay duda, pero tendrás que pagar por esa supremacía. Un monitor de cámara debe estar a la altura de la cámara a la que vaya montado y, en el caso de mi FUJIFILM X-T3, el SWIT es una combinación perfecta, tanto en lo que respecta a las características como al precio. enlaces: sitio web FW279  | sitio web CM-55c ¿Qué tipo de monitor de cámara usas? ¡Comparte tus experiencias en los comentarios debajo!

Hace solo 6 semanas atrás, el CEO de Blackmagic Design, Grant Petty, presentó un montón de actualizaciones en su línea, incluyendo una nueva generación de la popular cámara URSA Mini Pro, llamada G2 (léase: generación 2). Como podrás adivinar por su nombre, esta no es una cámara completamente nueva, sino una actualización de la URSA Mini Pro existente, que será reemplazada por la URSA Mini Pro G2. Mira nuestra entrevista con Craig Heffernan de Blackmagic para conocer todos los detalles. Blackmagic URSA Mini Pro G2 Esta cámara está etiquetada como G2, entonces, ¿qué hay de nuevo aquí? Bueno, a veces, cuando se trata de mejorar las funciones del software, el hardware también debe actualizarse para hacerle justicia a esas mejoras, y ese es exactamente el caso con la URSA Mini Pro G2. Para permitir la grabación de fps más altos, los ingenieros de Blackmagic han implementado un sensor actualizado de 4.6K (una construcción diferente del mismo sensor, como lo dice Craig Heffernan). Viene con un procesamiento avanzado y un flujo de imágenes optimizado en toda la cámara. Esto permite una mayor velocidad de cuadros y una lectura más rápida del sensor (menos rolling shutter). Además, la cámara ahora es compatible con Blackmagic Color Science 4 y también puede manejar LUTs 3D. Todos los accesorios de la URSA Mini Pro original servirán para el modelo G2, solo reemplaza al modelo original a ese aspecto. Lo mismo ocurre con los precios, la G2 tiene exactamente el mismo precio que la URSA Mini Pro original. Grabación a altas velocidades mejorada Las nuevas altas velocidades de cuadros incluyen los siguientes modos, según el formato en el que estés grabando: Velocidades de cuadro en Blackmagic RAW: 120 fps en 4.6K en Blackmagic RAW 150 fps en 4K DCI en Blackmagic RAW (con ventana) 150 fps en UHD 4K en Blackmagic RAW (con ventana) 300 fps en HD en Blackmagic RAW (con ventana) Velocidades de cuadro en ProRes: 80 fps en 4.6K en ProRes 120 fps en UHD en ProRes (con ventana) 240 fps en HD en ProRes (ventana) Ya hay algunas imágenes de muestra para que veas por ti mismo, salta a nuestro artículo aquí. Mejoras de audio Blackmagic también trabajó en la sección de audio de la cámara. La URSA Mini Pro G2 ahora ofrece un procesamiento de audio mejorado y, con suerte, el temido (y audible) retraso al monitorear el audio a través de la cámara ahora es cosa del pasado. Blackmagic RAW vs ProRes RAW Sí, la URSA Mini Pro puede grabar directamente en ProRes. Pero no, no puede grabar ProRes RAW. Así es como están las cosas en este momento. Blackmagic está muy contento con su propio formato RAW, ya que se integra a la perfección con sus cámaras y sus herramientas de postproducción, concretamente con el DaVinci Resolve 16. Por lo tanto, no hay planes actuales para implementar ProRes RAW, pero por supuesto, eso podría cambiar en cualquier momento, quién sabe lo que nos depara el futuro. Si estás buscando comprar una nueva cámara, vale la pena echarle un vistazo. La URSA Mini Pro G2 es una actualización importante de la cámara original y establece una base para futuras actualizaciones de firmware a futuro. Enlace: Blackmagic Design ¿Qué te parece la URSA Mini Pro G2? ¡Dinos lo que piensas en la sección de comentarios debajo!

Cuando Atomos lanzó el monitor/grabador Ninja V, también lanzaron una nueva interfaz de expansión, llamada AtomX. Con este puerto universal, Atomos quiere expandir el conjunto de funciones del Ninja a lo largo del tiempo. Primero anunciaron un módulo Sync y un módulo NDI pero, y esto puede ser una buena sorpresa, el primer módulo que realmente puedes comprar es este: un módulo SDI AtomX. Atomos Ninja V con módulo SDI AtomX. Con este módulo SDI AtomX conectado al reconocido monitor/grabador Ninja V -que, sin embargo, solo es HDMI 2.0-, obtienes entradas y salidas de nivel profesional para tu precioso Ninja. Los dos conectores BNC estándar de 75 ohms se denominan A y B, no Entrada y Salida. Y esta es la razón: ¡Puedes configurarlos libremente para que se ajusten a tu configuración preferida! ¿Entrada SDI Dual Link? No hay problema. ¿Dos entradas SDI independientes para una fácil conmutación A/B? Por supuesto. ¿Una entrada y una salida de loop? Claro que si. Especificaciones y formatos de video El módulo SDI AtomX admite los siguientes estándares de video: hasta 4K60p o hasta 2K240p. Las dos entradas/salidas independientes 12G/6G/3G SDI son muy flexibles, pero te advierto, existe una función que no pueden hacer (¿todavía?): El Ninja V no permite hacer una conversión cruzada de una señal de video entrante vía HDMI y sacarla a través de SDI. Y al revés, una entrada SDI no se puede enrutar a una salida HDMI. Es realmente una cuestión de SDI o HDMI. Sin embargo, es posible emitir un archivo de video (ya grabado) a través de SDI y HDMI simultáneamente. La grabación desde cámaras a través de SDI single o dual link es posible con los formatos de archivo estándar Apple ProRes y Avid DNx de tu preferencia. Los gammas Log, HLG y Rec.709 están soportados. También existe la opción de “quemar” una LUT en la imagen grabada para producciones de entregas rápidas, donde hay poco o nada de tiempo para el procesamiento en post. Dado que la pregunta surgirá, aquí está la respuesta rápida: No, ProRes RAW (¿todavía?) no está admitido en SDI. Las únicas cámaras que actualmente utilizan ProRes RAW (a través de HDMI) en conjunto con el Atomos Ninja V son las Nikon Z 6 y Z 7. El módulo SDI AtomX tiene aproximadamente el tamaño de una batería de tipo NP y encaja perfectamente entre el Ninja V y la batería NP. Estará disponible en mayo de 2019 por $199/€199 más impuestos. Otros módulos AtomX Los otros dos módulos ya anunciados de AtomX, el Sync y el NDI, también están en camino, pero según el CEO de Atomos, Jeromy Young, el SDI se convirtió en una prioridad: Cuando anunciamos el Sync y el NDI, los comentarios de los usuarios nos llevaron a darle prioridad al AtomX SDI. Así que lo hemos entregado primero, y los NDI y Sync saldrán en breve. Lea aquí nuestra cobertura de los módulos Sync y NDI. Enlace: Sitio web de Atomos ¿Qué piensas? ¿El Ninja V equipado con SDI es lo que estabas esperando? ¡Dinos lo que piensas en los comentarios debajo!

Si eres un creativo que realiza tareas de filmación y post-producción, estarás familiarizado con las LUTs. Estos pequeños archivos de texto son útiles tanto para la conversión del espacio de color como para lograr efectos creativos. Sin embargo, ocuparse de su organización es algo completamente diferente. Lutify.me es un servicio de LUTs basado en suscripción y su última novedad es una herramienta de previsualización de LUTs basada en la web que agiliza la creación de looks visuales. Lutify.me está disponible desde hace bastante tiempo, pero su nuevo servicio (incluido), llamado LUTs Previewer (Previsualizador de LUTs), es bastante nuevo. Y parece ser muy útil en lo que respecta a navegar, examinar, modificar y comparar LUTs. Todo en un espacio de trabajo en línea muy conveniente, lo único que necesitas es un navegador. Lutify.me Dado que este servicio se basa en suscripciones, primero tenemos que hablar de precios. Lutify.me viene en tres opciones, que van desde $29 a $59 para el primer año. Los tres niveles comparten un precio fijo de $19.90/año para todos los años siguientes mientras tu suscripción permanezca activa. La diferencia entre los tres niveles se define básicamente por la cantidad de LUTs incluidas. La membresía básica ($29) incluye 35 LUTs, la estándar ($39) viene con 65 LUTs incluidas. ¿Quieres volverte profesional? El nivel superior ofrece la friolera de 213 LUTs para elegir. Sin embargo, el verdadero valor es otro: solo el nivel Profesional ($59) permite importar LUTs de terceros al LUTs Previewer en línea. Sin embargo, esta función aún no está disponible, pero está marcada como que “vendrá muy pronto”. El nivel Profesional también tiene incluido el soporte para las LUT personalizadas de RED IPP2 para aquellos que filman en las modernas cámaras RED. LUTs Previewer Este nuevo Previsualizador de LUTs funciona como un catálogo en línea de LUTs en tiempo real. Una vez que inicias sesión, puedes navegar por todas las LUT incluidas en tu suscripción. Luego cargas los stills log (o no log) del material de cámara en tu biblioteca en línea y aplicas una LUT correctora de log apropiada (Log – Rec709, por ejemplo). Al igual que en Photoshop, se puede aplicar otra capa que contenga una LUT creativa de tu biblioteca. Puedes ajustar la exposición, el balance de blancos y la intensidad de la LUT (opacidad) y la vista previa siempre se actualiza en tiempo real. Una vez que estés satisfecho con el resultado, puedes compararlo con diferentes ideas de gradación. Se pueden guardar hasta 12 looks finalizados en tu selección, los stills que selecciones se pueden exportar como referencia y todos los parámetros aplicados y los nombres de las LUT se reflejan en el nombre del archivo. Juzgar un look creado es muy fácil con la herramienta incluida de antes/después. Una cosa a tener en cuenta: esta herramienta solo funciona con imágenes fijas (stills), no con material de video real. Sin embargo, admite prácticamente todos los formatos de imagen fija, incluidos los archivos RAW como CR2, NEF, ARW, DNG o RW2. Para aplicaciones de video, el flujo de trabajo incluiría importar tu material de archivo a tu aplicación de edición o de gradación de color de tu preferencia, y exportar los stills de tus escenas principales. Estos stills se pueden importar al LUTs Previewer. Conclusión Si las LUTs son lo tuyo, la suscripción a Lutify.me puede merecer una mirada más cercana. Que sea relativamente asequible en comparación con otros servicios o paquetes de LUTs es una cosa, pero el verdadero beneficio podría ser el LUTs Previewer, que realmente parece ser muy útil cuando se trata de crear un look visual en vez de tener que buscar entre montones de archivos LUT en tu computadora. Enlace: Website ¿Qué piensas? ¿Esto podría acelerar tu flujo de trabajo con LUTs? ¡Comparte tus pensamientos (incluyendo alternativas) en los comentarios debajo!

Las películas elegidas para competir en la categoría NEXT en el Festival de Cine de Sundance celebran la innovación en el cine. A menudo, la innovación es técnica y está evidenciada en el enfoque, la estructura o la ejecución de la película. Otras películas logran ingresar a esta categoría por sus temas innovadores o poco convencionales. Sin lugar a dudas, en el pasado esta era la categoría que presentaba a los cineastas que asumían más riesgos, y es por eso que Sundance promete que las películas de esta categoría representan la creatividad que “dará forma a la próxima ola en el cine estadounidense”. He aquí un vistazo a una de las directoras de fotografía de la competencia NEXT: Greta Zozula. Detrás de escena con la directora de fotografía Greta Zozula DF: Greta Zozula Película: Light From Light (dir. Paul Harill) Categoría:NEXT Competition Cámara: Alexa MINI Lentes: Cooke: S4s y un Angenieux 24-290 Filosofía de la directora de fotografía: La historia es siempre lo más importante, y si no amas lo que haces, entonces no lo hagas. Eso puede parecer obvio, pero cada decisión que tomo está basada en esa idea. Sea la composición, la iluminación, el movimiento de la cámara, el color, la elección de lentes: todo está relacionado con la motivación de la historia. En cuanto a amar lo que haces, creo que debería aplicarse a todos los aspectos de tu vida. cinema5D: ¿Por qué terminaste eligiendo la Alexa MINI? GZ: Además de filmar con una cámara de cine, personalmente creo que la Alexa es la mejor opción. Te da lo que esperas de ella. No hay sorpresas. Rara vez filmé con cualquier otro sistema de cámara, pues solo estaría agregando más desafíos para mí y para mi equipo. Dicho esto, no creo que la Alexa sirva para todo. Honestamente, no confío en las cámaras que son “todo-en-uno”. Hay razones por las que las cámaras especializadas están diseñadas de la forma en que lo están, y la mayoría de ellas no son buenas para usos prácticos. La MINI es ideal para películas en las que tienes que moverse rápidamente y requieres una cámara que quepa en espacios pequeños cuando sea necesario. Marin Ireland aparece en “Light From Light”, de Paul Harrill. Cortesía del Sundance Institute | foto de Greta Zozula cinema5D: ¿Cómo te resultó el combo Cooke/Angenieux? ¿Qué motivó esa decisión? GZ: Optamos por un enfoque muy clásico para las imágenes de esta película, y creo que los Cookes son lentes muy clásicos que tienen atributos que son bien específicos de estos lentes, pero que igualmente son muy sutiles. Nada llama realmente la atención sobre sí mismo. Me encanta la suavidad natural del vidrio y los tonos más cálidos de la piel. Su característica esférica también influyó en el look. Nos decantamos por una relación de aspecto de 1:66 muy desde el principio. Muchas de las películas a las que hicimos referencia son clásicos europeos que usan un aspecto estándar de 1:66. También fue, en parte, una forma de crear composiciones que fuesen más cercanas a las pinturas que estábamos referenciando. Aunque la mayoría eran retratos, 1:66 fue lo más parecido y con lo que nos sentimos más cómodos. 4:3 nos parecía muy cuadrado y que distraía demasiado para esta narrativa. El zoom fue para tomas muy específicas que requerían zoom y para tomas que querían el extremo telefoto del lente, pero limitamos su uso en las escenas, porque solo representaba una parte de la historia. cinema5D: ¿Cómo fue la pre-producción? ¿Cómo planificaron el look? GZ: Incluso antes de la pre-producción, Paul hizo referencia a un libro llamado “Helga Series” de Andrew Wyeth. Hubo unas cuantas pinturas de esa serie que influyeron en el color y la iluminación de la película. Incluso se los mandé a mi colorista para diseñar una LUT. También hicimos referencia a Vermeer, Hopper y Eakin en determinadas escenas. cinema5D: ¿Qué descubriste durante las pruebas de cámara? GZ: Las pruebas de cámara fueron muy limitadas, pero hicimos muchísimas pruebas con linternas y luces de utilería. Esto se debió a que la mayor parte de la película se iluminó casi completamente con linternas, por lo que era importante encontrar la temperatura de color, la distribución y la forma correctas para la iluminación. Descubrimos que necesitábamos mezclar linternas con rebotes colocados estratégicamente y superficies reflectantes para obtener el efecto correcto. cinema5D: ¿Tu y el director vieron alguna película juntos? GZ: Juntos, no. Vimos escenas de películas para ideas específicas, pero en lo que respecta al look de la película hicimos más referencias a pinturas. Marin Ireland y Jim Gaffigan aparecen en “Light From Light“ de Paul Harrill. Cortesía del Sundance Institute | foto de Greta Zozula cinema5D: ¿Hubo storyboards? GZ: Nada de storyboards. Solo una lista de tomas general como referencia y para el cronograma, pero a menudo nos inspirábamos en el momento. cinema5D: ¿Cómo fue tu colaboración con el director durante la producción? GZ: Trabajamos bien. Hubo mucha confianza que nos permitió concentrarnos en nuestros trabajos específicos en el set. Con un cronograma tan rápido, a menudo teníamos que comenzar a iluminar la escena siguiente mientras grabamos la anterior, por lo que fue clave que estuviéramos sincronizados y que pudiéramos llegar al set temprano para discutir cada escena con el asistente de dirección para refrescar nuestra memoria. cinema5D: ¿Hay algo exclusivo en esta película que haya surgido de tu colaboración? GZ: Un equilibrio sutil entre emoción y drama. Esta película es dramática pero era fácil exagerar este aspecto según la elección del lente en momentos específicos. A menudo nos dimos cuenta de que cuando normalmente usas un primer plano para lograr un efecto emocional, nosotros preferíamos usar un plano medio o enfocar al otro personaje para atenuar los elementos dramáticos, sin por ello perder la importancia del drama en toda la estructura… Guardamos los primeros planos para los momentos adecuados. cinema5D: ¿Tienes algún set de filtros preferidos en tu kit? GZ: Normalmente uso los filtros Glimmerglass. En ocasiones usaba un Black FX o un Smoque si era pertinente. Por lo demás, usaba el filtro MRT de vez en cuando. Lo uso principalmente como un filtro ND variable para ahorrar tiempo, pero tiene muchos usos si quieres ser creativo. Marin Ireland y Josh Wiggins aparecen en “Light From Light” de Paul Harrill. Cortesía del Sundance Institute | Foto de Greta Zozula. cinema5D: Cuéntanos un poco sobre tu forma de iluminar específicamente para esta película. GZ: La iluminación influyó bastante en el desarrollo del tono y de los personajes de la película. Cada locación tenía su propio estilo de iluminación. La casa de Shelia influyó bastante en los momentos emotivos en la película. La iluminación refleja en gran medida los cambios de humor a lo largo de la película. Algunas escenas son suaves y luminosas y otras se hunden fuertemente en las sombras. El lugar donde Shelia trabaja es chato e iluminado solo por luces fluorescentes. Se siente estéril y deprimente, lo que es fiel a su estado emocional cuando está en su trabajo. La casa de Richard tuvo varios looks, pero en general para las escenas de día, poníamos luz día a través de las ventanas y permitimos más sombras y contrastes. Para las escenas nocturnas, utilizamos luces puntuales de utilería, lo que creaba mucha sombra alrededor. En general, esto mantuvo un cierto misterio alrededor de la casa de Richard. Luego estaban las linternas que juegan un papel clave en la película, que es la investigación de Shelia. Las linternas son una herramienta práctica en la película, pero también agregan suspenso y crean una distinción literal entre luz y oscuridad en esta película. cinema5D: ¿Algún desafío en particular? GZ: Las linternas, por supuesto. Fue difícil hacer que se vean bien y reales al mismo tiempo. Me cuesta mucho iluminar escenas cuando la luz no está motivada. Puedo permitirme aceptar luces que no están motivadas en una película, pero personalmente, es algo que me vuelve loca. Creo que Matt (el gaffer) y yo terminamos encontrando el equilibrio, pero fue mucho prueba y error. Por lo demás, lo peor siempre es la continuidad de luz en exteriores. Es imposible de controlar y casi siempre es un problema. En general fuimos bastante afortunados, pero tuvimos que empatar escenas que iban de niebla y lluvia a soleado en la misma secuencia, lo que al final creo que funcionó emocionalmente, así que no distrae la atención de la historia. cinema5D: ¿Qué fue lo que realmente te dejó satisfecha al final del rodaje en términos de estética? GZ: Cuando hicimos el color de la película, pudimos ver toda la película en pequeños fotogramas lado a lado, y el hecho de poder ver las combinaciones de colores y cómo pudimos expresar las emociones de las escenas con colores y luces tan bien y ver la progresión tan claramente fue lo más gratificante para mí. No necesariamente fue una sorpresa, sino la confirmación de que el trabajo que pusimos en esta idea realmente dio sus frutos y fue algo por lo que valió la pena luchar. Estoy realmente orgullosa de la continuidad concisa de la película. Todo funciona y tiene un propósito. No hay movimientos de cámara sin un propósito ni iluminación de belleza. Es natural y poética cuando lo tiene que ser. Marin Ireland aparece en “Light From Light” de Paul Harrill. Cortesía del Sundance Institute | foto de Greta Zozula cinema5D: Pareciera que estamos en un nuevo rumbo en la cinematografía. ¿Cuál es tu opinión sobre dónde estamos y hacia dónde nos dirigimos? GZ: Esta pregunta me hace volver siempre a lo mismo. Como directora de fotografía, me encanta poder participar en un proceso que cuenta historias que pueden llegar a mucha gente. En lo que respecta a la tecnología, creo que los directores de fotografía tenemos que demostrar que valemos más que los meros conocimientos técnicos de las cosas, y que somos una parte muy importante en la colaboración que va más allá de la imagen. Los directores pueden encarar una película de muchas maneras diferentes. Algunos prefieren concentrarse solo y únicamente en las actuaciones. En ese escenario, un director de fotografía tiene que conocer tanto (sino más) el guión como el director. En cuanto a tener el control de la imagen, es importante saber cuánto control será delegado a la post-producción y tenerlo en cuenta en el set. Si le das demasiado control a la edición o al color, entonces de alguna manera estás sacrificando tu rol. Así que tienes que ser inteligente respecto a los proyectos que eliges y pensarlo de antemano. cinema5D: ¿Cuál es tu opinión sobre dónde estamos y hacia dónde nos dirigimos? GZ: ¡Creo que la experimentación es genial! Las nuevas lentes y cámaras permiten más ideas, y no creo que haya nada malo en eso. Creo que es importante conocer estas cosas, pero de nuevo… no creo que eso sea lo que vuelve valioso a un director de fotografía. Es una parte, sin duda. Es crucial conocer las lentes correctas para filmar una película, pero si vas a experimentar con algo que está de moda porque tiene un look nuevo o lo que sea, solo asegúrate de que ese look sea el adecuado para la historia también. Greta Zozula fue la directora de fotografía de la película Never Goin’ Back, de Augustine Frizell, que fue Selección Oficial tanto en Sundance como en SXSW en 2018. La película fue luego adquirida por A24. Su trabajo en el cortometraje de Charlotte Glynn, The Immaculate Reception, le valió un Premio al Director de Fotografía Emergente, y el cortometraje Fry Day de Laura Moss, en el que ella fue la DF, fue nominado para el Premio del Gran Jurado en el Festival SXSW. Dato curioso: Greta fue la 1ra Asistente de Cámara en Manchester by the Sea de Kenneth Lonergan.

(Por favor presione el botón “CC” en YouTube para subtítulos en Español)   La OLYMPUS OM-D E-M1X acaba de ser anunciada y tuvimos la suerte de tenerla en nuestras manos mucho antes del anuncio. Hemos filmado con ella, la hemos probado y ahora nos complace compartir lo que pensamos sobre sus capacidades de video y su rendimiento en general. (Toda la información está relacionada solo con la funcionalidad de video de la cámara). Dos años y un poco después de su último gran anuncio, OLYMPUS puede enorgullecerse de tener una nueva cámara: la E-M1X. Como puedes ver, me cuido mucho de NO llamarla la nueva cámara “insignia”, ya que ambas, la OM-D EM Mark II y la nueva OM-D E-M1X convivirán juntas en el portfolio de OLYMPUS, permitiéndoles apuntar a una mayor variedad de usuarios con distintas necesidades de fotografía/filmación y presupuestos. OLYMPUS OM-D E-M1X – Descripción general A diferencia de Panasonic, que está dirigiéndose a nuevos campos (Full Frame), OLYMPUS parece estar concentrado en nutrir su sistema de cámaras Micro 4/3. No estoy indicando que Panasonic esté a punto de abandonar ese formato de cámara, pero de hecho, ahora están presentando las nuevas cámaras full frame S1R y S1. Aún está por verse cómo afectará esto al desarrollo de su línea de cámaras de Micro 4/3 “GH”, pero naturalmente, sus recursos ahora se están invirtiendo en una dirección alternativa. Al hablar con OLYMPUS, está claro que su enfoque/concepto principal no ha cambiado. La libertad para filmar y la movilidad siguen siendo la esencia del sistema Micro 4/3 y es por eso que me sorprendió tanto cuando vi por primera vez la nueva E-M1X. A diferencia de lo que uno esperaría, al mirar algunas de las imágenes que se filtraron anteriormente, ¡la cámara es simplemente grande! En mi opinión, la ventaja del formato MFT ha desaparecido. El “Look Profesional” tiene un costo y quizás la mayor desventaja (además del tamaño y peso adicional de la cámara) es que no puedes pasar desapercibido. Siempre serás (sospechosamente) visto como un “profesional”. Tal vez para algunos sea una ventaja, pero para mí, personalmente, no lo es. Suelo viajar mucho y la filmación de “bajo perfil” es la esencia de mi trabajo. El tamaño de una cámara y cómo lo perciben los clientes (nuestros clientes, durante el proceso de trabajo) es un asunto completamente diferente sobre el que se puede escribir, pero soy consciente de que a muchos cineastas sí les preocupa la apariencia, ya que se les solicita que se muestren en el set con equipos de “aspecto profesional”. En lo que a mi respecta, me gusta la libertad de poder agregar una empuñadura, una plataforma, una caja mate y demás cuando lo necesito, pero con esta nueva cámara, la empuñadura incorporada no me deja otra opción que parecer un “profesional”. La nueva empuñadura añadida. Esta empuñadura tiene capacidad para 2 baterías OLYMPUS (las mismas que se pueden encontrar en la OM-D E-M Mark II). La diferencia es que la cámara viene equipada con 2 baterías y la empuñadura en sí actuará como cargador. De hecho, cargará ambas baterías simultáneamente y no una tras otra. Además, un tiempo de carga relativamente corto proveerá suficiente energía como para continuar grabando esa última toma faltante, por lo que no es necesario esperar durante horas hasta que se carguen. Pude grabar alrededor de 70-80 minutos de forma continua por cada batería, y me gusta la idea de no necesitar un camión repleto de baterías… ¿OLYMPUS pensó en nosotros, los cineastas, al desarrollar esta cámara? La respuesta obvia es SÍ y NO … Sí – debido a lo siguiente: El IBIS (sistema de estabilización en el cuerpo) ha sido actualizado con la idea de mejorar el -ya único- sistema de estabilización existente. La funcionalidad del sistema de enfoque automático se ha mejorado para ser más rápida y confiable. Finalmente se ha agregado el muy solicitado perfil de imagen OM-LOG (ISO400 nativo) El asistente de visualización incorporado “View Assist” brinda un espacio de color estandarizado BT.709 y no solo un “color agregado” cualquiera cuando se monitorea el perfil de imagen OM-LOG Se ha implementado un circuito de audio mejorado para un nivel de ruido más bajo (ahora es posible la grabación en alta resolución a 96 kHz) Incluso es posible reconfigurar la función REC del -no tan conveniente- botón REC. Se puede asignar al botón de disparo de la cámara para una mejor funcionalidad. Se agregaron muchas características nuevas, como el mejorado Sistema de Reducción de Polvo del sensor (minimizando el riesgo de arruinar una toma debido al polvo en el sensor), una nueva estructura de disipación de calor (y, de hecho, no he encontrado ningún problema de sobrecalentamiento, pero como siempre, necesitamos más información de los usuarios), el “USB Power Delivery” permite que la cámara se cargue con una batería externa, si es necesario. Y por último pero no menos importante, esta cámara puede soportar un alto nivel de “ajetreo de producción”, ya que es impermeable, a prueba de golpes y congelación. También vale la pena mencionar que OLYMPUS ha mantenido algunas de las funciones que ya estaban en la E-M Mark II, como la pantalla LCD giratoria, 4K DCI (por desgracia solo en 24p) y grabación de video All Intra hasta 237 Mbps. Es posible reconfigurar el botón de grabación No – debido a lo siguiente: Estamos en 2019 y hemos aprendido a esperar más, especialmente de compañías que no tienen un mercado de video más alto para proteger y, lamentablemente, ¡OLYMPUS eligió presentar una cámara que graba 8bit 4:2:0 interno Y ESO cuando grabas en un dispositivo externo! Esto es una lástima, ya que la ausencia de una mayor profundidad de bits de grabación y de muestreo de color seguramente afectará las ventas y ahuyentará a nuevos clientes potenciales. Además, el precio de la cámara es de apenas unos tímidos €3000. Cuando se mira lo que los competidores tienen que ofrecer y en qué rango de precios, es difícil ver que este dispositivo se convierta en una herramienta de trabajo principal para muchos. (¡Sinceramente espero estar equivocado aquí!) Solo espero que esta nueva cámara tenga tanto para ofrecer a los fotógrafos que el precio sea considerado por ellos como perfectamente adecuado. Imagen temblorosa – Mírame en el video de arriba En el campo – Sistema de estabilización en el cuerpo (IBIS) Como documentalista, el sistema de estabilización de 5 ejes recientemente diseñado encendió mi imaginación. No puedo decirte lo mucho que detesto usar gimbals en el trabajo documental. Además de consumir tiempo adicional de configuración y agregar peso, un gimbal simplemente quita algo de la estética de la imagen y el “sentimiento”, cuando de pronto todo se vuelve “demasiado suave”. (En otros escenarios de producción los gimbals seguramente tienen un lugar…) De todos modos, esperaba tener una cámara que me permitiera filmar material estable a mano alzada (también con el uso de lentes teleobjetivo) y que además me diese la libertad de moverme libremente y lograr tomas bonitas “sobre la marcha”. OLYMPUS apenas si cumplió mi deseo. Si bien lograr tomas estáticas con cámara en mano hasta 200mm es muy fácil (lo siento, no hay lentes de focales más largas para probar), el nuevo sistema tiene muchas dificultades cuando filmas sobre la marcha. Cuando se usa el extremo focal de 12mm del (fabuloso) lente M.ZUIKO DIGITAL ED 12-100 mm F4.0 IS PRO (o mi favorito, el lente M.Zuiko Digital ED 12 mm f/2), ¡se corre el riesgo de obtener imágenes con inestabilidad muy perceptible a ambos lados del cuadro! Este fenómeno se puede evitar parcialmente al filmar desde una distancia focal de 15mm (aproximadamente) o mayor. OLYMPUS ya está al tanto del problema y espero que de alguna manera se pueda resolver con una actualización de firmware. Enfoque automático OLYMPUS ha trabajado mucho para mejorar su sistema de enfoque automático y en general se nota el esfuerzo, ya que es muy fácil seguir acciones/rostros en la mayoría de las condiciones de iluminación. Solo he encontrado problemas en la consistencia del enfoque al fotografiar objetos de alto o de muy bajo contraste. Todo lo que cayó en el medio funcionó bien. Vale la pena señalar que también es posible “arrastrar el foco” entre objetos en la pantalla LCD ¡y el agregado de un botón/pezón en la parte posterior de la cámara es algo muy bienvenido! Ubicar el foco donde quieres que esté ahora se puede hacer con solo mover el pulgar. Muy fácil. Bienvenido OM-Log400 Perfil de imagen OM-LOG y el nuevo archivo suministrado Log a BT.709.cube (Las observaciones en esta sección se basan en una cámara de pre-producción y en un archivo .cube preliminar) ¿Qué debo darles primero, las buenas o las malas noticias…? La idea detrás de este perfil es otorgar la mayor latitud a la imagen. Si bien nos pone muy contentos que OLYMPUS lo esté incorporando, en nuestra opinión, algo está mal en la forma en que se está implementando. La curva es tan extraña que al usar nuestro software y método para evaluarla (DSC Xyla 21chart/IMATEST), de hecho no pudimos medirla, ya que la distribución de los valores de código para representar la luminancia no es uniforme. Espero que la foto de arriba pueda explicar visualmente nuestro problema. Por favor, echa un vistazo al lugar marcado en color rojo. Este tipo de “salto” no debería estar allí, así que por ahora, dado que no podemos obtener resultados significativos, no podemos realizar una prueba de rango dinámico adecuada. Más allá de la información mencionada, filmé con el nuevo perfil de imagen OM-Log400 e importé el material en Premiere para hacer la corrección de color. Mi primer paso fue ver qué podía lograr al usar el nuevo archivo Log_to_BT.709.cube de OLYMPUS. Así que intenté importarlo, pero para mi decepción, todo lo que obtuve fue un mensaje de error que decía “No se puede cargar el archivo seleccionado”. Una mirada más en detalle al archivo .cube reveló una línea de encabezado que técnicamente no debía estar allí y que al eliminarla me permitió cargar el archivo .cube con éxito. Ten en cuenta que, según OLYMPUS, este archivo .cube fue diseñado para funcionar bien en DaVinci Resolve, y OLYMPUS nos acaba de informar que no dejarán en la oscuridad a los usuarios de otras plataformas populares de edición. Ah, y aunque esto no es para nada difícil de arreglar, sugiero esperar a que OLYMPUS cree un archivo .cube que funcione oficialmente para Adobe Premiere. Curva Log problemática Calidad de imagen En cuanto a la calidad de imagen, todavía tengo que determinar si me gusta lo que veo o no… Por un lado, cuando se graba en 4K DCI, la imagen es muy sólida y detallada, pero por otro lado, tiende a ser demasiado detallada (nítida). A diferencia de otros fabricantes de cámaras, al filmar en LOG con esta nueva cámara, no se pueden cambiar los valores como la nitidez, por ejemplo. Esta es mi forma preferida, ya que el fabricante debería saber qué valores hacen que su propio perfil de imagen LOG funcione mejor, pero en este caso específico, me gustaría que hubiera una forma de reducir la nitidez. No pude encontrar una manera de hacerlo y espero que la cámara no esté mejorando la imagen de forma digital. Algo nuevo en la OM-D E-M1X es la capacidad de filmar en Alta Velocidad de Fotogramas (120 fps en Full HD). Suelo evitar esta opción, ya que los resultados están bien. Además, el factor de recorte cuando se dispara en este modo es bastante severo, pero al menos la función de enfoque automático funciona. Imagen Full HD 120p. Presta atención al recorte Como nota aparte: por desgracia, la nueva cámara no permite filmar en modo 4K/60p. En cuanto al Rolling Shutter, al igual que la E-M1 Mark II, está bien controlado. (No nos sorprende, considerando el hecho de que ambas cámaras usan exactamente el mismo sensor y procesador. La única diferencia es el agregado de un segundo procesador en la nueva cámara). En cuanto al rendimiento en baja iluminación, está bien. OLYMPUS nunca declaró que esta cámara fuera una bestia de la baja iluminación y, como tal, en mi opinión, puedes obtener resultados aceptables hasta ISOs 3200. Filma por encima de eso y correrás el riesgo de obtener videos ruidosos. Una cosa que noté es que el EVF se vuelve “verdoso” cuando se filma con poca luz. No tengo idea de por qué sucede esto (tal vez sucede solo en mi cámara de pre-producción), pero es lo suficientemente evidente como para compartir esta información. Cosas a tener en cuenta Deliberadamente decidí no entrar en el tema del menú de la cámara. Lo que comenzó como una forma muy difícil de navegar, con el tiempo mejoró para mí (obviamente). Pero aunque parecía que OLYMPUS realmente intentaba satisfacer nuestras necesidades como cineastas deshabilitando -poniendo en gris- los elementos del menú relacionados con fotografía, en algunas ocasiones me sentí un poco perdido… Por ejemplo, si deseas activar el perfil de imagen LOG, primero deberás activar este modo como Activado en una página de menú diferente (Menú de video – Configuración de especificaciones – Modo de imagen – Activar) y luego ir a: Menú de disparo 1- Modo de imagen – OM-Log400. Otro ejemplo es la falta de una forma de activar rápidamente la función “View Assist”. No pude encontrar una manera de asignarla a ningún botón y terminé agregándola a “Mi menú”. Esta es una “solución aceptable”, ya que requiere unos cuantos clics para llegar allí. OLYMPUS ha mantenido su antiguo modo de “Perfil de Imagen Plana”, así que aquellos que trabajen con ambas, la nueva cámara y la E-M1 Mark II, podrán hacerlas coincidir. El indicador rojo de grabación aparecerá en la parte inferior derecha. Incluso hoy – después de pasar un tiempo con la cámara – me sigue resultando difícil de localizar y notar. En vez de eso, me gustaría que apareciera en la parte superior derecha. Ten cuidado de NO comprar las tarjetas SD de 128 GB de Lexar (2000x). Hay una historia larga y documentada de incompatibilidad entre estas tarjetas y las cámaras OLYMPUS, y la cámara simplemente no las reconocerá. Más allá de “de quién es la culpa” (Lexar u OLYMPUS), luego de lidiar con el servicio en línea de atención al cliente de Lexar, ¡decidí no volver a comprar sus tarjetas jamás! Por momentos, cuando viajo, utilizo una de las nuevas MacBook para editar. Como saben, estas nuevas laptops no cuentan con ranura para tarjetas SD, así que valoro mucho el hecho de que al conectarla, la nueva E-M1X aparece en la computadora como un disco, es decir que copiar y pegar el material no es tan difícil. Si, como yo, eres más un usuario del visor electrónico (en lugar de la pantalla LCD), entonces hay algo que puede volverte loco: no hay forma de comenzar a ver un clip en la pantalla LCD y luego continuar viéndolo en el EVF, ya que la cámara pasará inmediatamente al modo de espera de grabación. Así que si empiezas a ver el clip en el EVF y alejas un poco tu ojo, la función de reproducción se detendrá automáticamente y la cámara volverá al modo de espera de grabación. ¿Por qué? No tengo idea. La cámara no puede realizar el ajuste automático del nivel de audio. Siempre está en modo manual, pero la buena noticia es que el audio se puede ajustar mientras grabas. (Hablando de eso, no todas las funciones se pueden cambiar durante la grabación, ni siquiera el ISO cuando lo necesitas). Cambiar la apertura de un lente OLYMPUS cuando usas la nueva cámara es algo que se debe tener en cuenta en el lado positivo – la acción es en cierto modo muy suave y gradual. ¿Me atrevo a decir casi imperceptible? Ya mencioné el EVF y “View Assist” anteriormente en este artículo, pero para mí es importante enfatizar que la calidad del EVF, cuando filmas en condiciones de iluminación normales (adentro o afuera), es agradable y el enfoque manual es una delicia. Conclusión La nueva OLYMPUS OM-D E-M1X es una cámara mixta. Tiene el potencial de llevar la grabación en mano a un nivel diferente, pero esto SOLAMENTE puede hacerse si el IBIS recientemente desarrollado está bien ajustado. Aunque parece que OLYMPUS nos tuvo a nosotros -los cineastas- en mente cuando diseñó la cámara, es bastante evidente que no dieron el paso extra para estar en la misma línea con otros fabricantes de cámaras. Cuando se trata de especificaciones técnicas básicas, están un poco atrasados. Como ya se señaló en este artículo, el precio de esta cámara es algo problemático (desde la perspectiva del rendimiento de video), especialmente cuando se tiene en cuenta lo que otros ofrecen actualmente por la misma cantidad o incluso por MENOS dinero. ¿Qué opinas? ¿Esta nueva cámara OLYMPUS puede ser la adecuada para ti? Dinos lo que piensas en la sección de comentarios debajo.

(Por favor presione el botón “CC” en YouTube para subtítulos en Español)   La gradación de color sigue siendo un misterio para muchos – junto con nuestro colaborador habitual, Ollie Kenchington, estamos publicando un breve video brindando 8 tips profesionales para la gradación de color, de su increíble curso “Dominando el Color” actualmente en MZed. La multiplicidad de cámaras y formatos de archivo de video que existen hoy en día, le ofrecen a los cineastas de todo el mundo muchísimas posibilidades en lo que respecta a la selección del equipamiento de trabajo. También hace que muchas cosas sean más complicadas. Las imágenes de diferentes cámaras se ven muy diferentes y deben tratarse de manera distinta para obtener los mejores resultados. Luego está también la mezcla de material de 8 bits, 10 bits y 12 bits con la que estamos trabajando constantemente en estos días, con la mayoría de las personas sin duda grabando en 8 bits (que originalmente nunca fue diseñado para ser gradado y que hace que sea muy difícil de corregir). Mezclar diferentes cámaras en un rodaje se ha convertido en algo normal, pero hacer que sus imágenes se vean similares es un gran desafío para muchos. Vacío de conocimiento en la postproducción del color En cuanto te alejas del ambiente cinematográfico de alto nivel, te darás cuenta de que existe un gran vacío de conocimiento en el manejo del color en la postproducción. Muy a menudo, es algo en lo que se piensa sólo a último momento, pero está claro que gradar una película de la forma correcta o adecuada es tan importante para el resultado final como seleccionar la iluminación adecuada al filmar. Dominando el Color Nuestro colaborador habitual, Ollie Kenchington, es un colorista profesional y ha realizado un curso de 7.5 horas de duración llamado “Dominando el Color”, utilizando herramientas como DaVinci Resolve y FilmConvert. Es un curso totalmente relajado y a la vez muy informativo, que ya hemos reseñado (y que nos ha gustado mucho). Me puse en contacto con Ollie para saber si estaría dispuesto a compartir algunos tips clave de su curso con nuestra audiencia de Youtube en un breve video, y estuvo encantado de hacerlo, por lo que estamos publicando el video que estás viendo arriba. Ollie ya nos había brindado una entrevista sobre la gradación de color antes, que puedes encontrar aquí en caso de que te la hayas perdido. Si está interesado en el curso completo de “Dominando el Color”, puedes comprarlo en MZed haciendo clic aquí. ¿Cuál es tu opinión sobre la gradación de color? ¿Te sientes confiado con tus habilidades o es algo en lo que crees que aún puedes mejorar? Cuéntanos en los comentarios debajo.

El término post-producción puede parecer simple, pero hay un mundo debajo de la superficie. Por ello, Frame.io ha confeccionado una guía de flujo de trabajo de post-producción “definitiva” (según sus palabras). Cubre todos los aspectos, desde la captura hasta la exportación de imágenes, y además tiene estudios de casos específicos. ¿Y lo mejor de todo? ¡Es gratis! Hay tantas cosas en juego cuando hablamos de post-producción: adquisición de imágenes, códecs, conformar, edición, creación y adición de efectos, gradación de color, diseño de sonido, exportación… de todo. Cada paso en el proceso requiere una atención especial para mantener la calidad de la imagen (y el sonido) en toda la post-producción. Hay mucha terminología técnica y especificaciones extrañas involucradas. Guía de flujo de trabajo de post-producción Frame.io lo deja claro desde el principio: esta guía es completamente independiente de su producto. Se refiere a conceptos, no a equipos, servicios o softwares en particular. Trabajaron con varios cineastas profesionales de todo el mundo para reunir la mayor experiencia posible en una guía de flujo de trabajo de post-producción integral.   Como lo señala David Kong, director de contenido de Frame.io, “Hay cantidad de recursos increíbles sobre información de post-producción desparramados en la web. Pero todos estos recursos están dispersos, son difíciles de encontrar, están incompletos y ninguno de ellos ofrece una visión general completa de todo el proceso. Eso pronto cambiará”. Tal vez ya conozcas a David de alguna de sus extensas guías, como su excelente introducción a los codecs de video en el blog de Philip Bloom. Sumergiéndonos La guía de flujo de trabajo de post-producción se divide en 9 capítulos: Captura, Preparación, Edición, Conformación, VFX, Color, Sonido, Entrega y Casos de Estudio. Cada capítulo está dividido en secciones más pequeñas, de fácil comprensión. Todos juntos forman un documento de 100.000 palabras y necesitarás unos 90 minutos de tiempo de lectura para completarlo. En la realidad, desde ya, te tomará mucho más tiempo ya que hay muchas imágenes, cuadros y casos de estudio que pondrán tu atención en la pantalla por mucho tiempo. Luego de que te hayas abierto camino a través del matorral, esta guía seguirá siendo muy útil para futuras referencias. Frame.io afirma que mejorarán y ampliarán la guía a medida que pase el tiempo. Como lo expresa Frame.io, esta guía de flujo de trabajo de post-producción está diseñada para ser la “fuente de información integral para cualquier persona (principiante o avanzada) que desee comprender todas (o ciertas) partes del flujo de trabajo de video, desde la adquisición hasta la entrega”. Si deseas saber más sobre los creadores de esta guía de flujo de trabajo, Frame.io, no te pierdas nuestra cobertura aquí y aquí. Enlace: Frame.io Workflow Guide ¿Esta guía te resulta útil? ¿Tienes otros recursos que te gustaría compartir? ¡Cuéntanos en los comentarios debajo!