Como es el caso cada año, el segundo sábado del Festival de Cine de Sundance terminó con una muy esperada ceremonia de premios. Con la mira puesta en las adquisiciones y las carreras a futuro de los cineastas, no podría haber más en juego. Sin embargo, bien al estilo del Instituto Sundance, el ambiente de las festividades dista de ser competitivo. Sin lugar a dudas, muchos se van decepcionados, pero entrar en Sundance es un logro en sí mismo, el cual genera una corriente de profundo y mutuo respeto entre los cineastas. Que una audiencia -o un jurado, para el caso- responda a una película es completamente subjetivo y está fuera del control del cineasta, así que ¿por qué no apoyarse mutuamente? Por lo tanto, en ese mismo espíritu de Sundance, los invitamos a celebrar con los que se llevaron premios a casa por su trabajo… y con los que no. Noche de Premios del Festival de Cine de Sundance 2019. Foto de Rin Ehlers Sheldon La única garantía real en los premios para cada categoría es el Premio del Público, el Premio del Gran Jurado (esencialmente a Mejor Película) y el Premio a la Mejor Dirección, (o en el caso de NEXT, el Premio al Innovador). El público en Sundance recibe encuestas cuando entran a una sala para clasificar la película como “pasable, buena, muy buena o mejor” al salir. Cualquier otro premio “Especial del Gran Jurado” queda a discreción del mismo. Si ven que una película tiene una calidad digna de premiar, crean un premio para honrar al director responsable. Veamos como resultó la noche. COMPETENCIA DRAMÁTICA DE CINE MUNDIAL Premio del Gran Jurado a Drama en Cine Mundial: The Souvenir, dirigida por Joanna Hogg. (Adquirida por 1091 Media, antes llamada The Orchard) Tom Burke y Honor Swinton Byrne aparecen en The Souvenir, de Joanna Hogg. Cortesía del Sundance Institute | Foto de Agatha A. Nitecka. Premio del Público a Drama en Cine Mundial: Queen of Hearts, dirigida por May El-Toukh La directora May el-Toukhy y la actriz Trine Dyrhom aceptan el Premio del Público a Drama en Cine Mundial para Queen of Hearts, de May el-Toukhy. Las dos ya habían dejado Park City para mostrar su película en otro festival, pero enviaron un discurso de aceptación de video. Foto cortesía del Sundance Institute | Foto por Jemal Countess. Premio a Dirección Dramática en Cine Mundial: The Sharks, dirigida por Lucia Garibaldi La directora Lucía Garibaldi acepta el Premio a Dirección Dramática en Cine Mundial por la dirección de The Sharks. Cortesía del Sundance Institute | Foto por Jemal Countess. Premio Especial del Jurado a Dirección Dramática en Cine Mundial: Monos, dirigida por Alejandro Landes (Adquirida por Neon) Alejandro Landes acepta el Premio Especial del Jurado para Monos. Foto de Graham Ehlers Sheldon Premio Especial del Jurado a la Originalidad en Dirección Dramática en Cine Mundial: We Are Little Zombies, dirigida por Makoto Nagahisa Probablemente el ser humano más feliz de la noche: Makoto Nagahisa. Foto de Rin Ehlers Sheldon Premio Especial del Jurado a la Actuación en Dirección Dramática en Cine Mundial: Krystyna Janda, Dolce Fine Giornata Krystyna Janda (izquierda) aparece en Dolce Fine Giornata, de Jacek Borcuch, una selección oficial de la Competencia Dramática de Cine Mundial en el Festival de Cine de Sundance de 2019. Cortesía del Sundance Institute | Foto de Sonia Szstak. COMPETENCIA DOCUMENTAL DE CINE MUNDIAL Gran Premio del Jurado a Documental de Cine Mundial: Honeyland, dirigida por Tamara Kotevska y Ljubomir Stefanov Tamara Kotevska, una de las dos directoras de Honeyland. Foto de Graham Ehlers Sheldon Premio del Público a Documental de Cine Mundial: Sea of ​​Shadows, dirigida por Richard Ladkani Un fotograma de Sea of ​​Shadows de Richard Ladkani. Cortesía del Sundance Institute | Foto de Richard Ladkani. Premio a Dirección en Documental de Cine Mundial: Cold Case Hammarskjold, dirigida por Mads Brugger El productor Peter Engel acepta el premio en nombre del director Mads Bruegger por el Premio a Dirección en Documental de Cine Mundial por Cold Case Hammarskjöld. Cortesía del Sundance Institute | Foto por Jemal Countess. Premio Especial del Jurado “Sin fronteras” en Documental de Cine Mundial: Midnight Traveller, dirigida por Hassan Fazzili Las productoras Su Kim y Emilie Mahdavian aceptan el premio en nombre del director Hassan Fazzili para el Premio Especial del Jurado “Sin fronteras” en Documental de Cine Mundial para Midnight Traveller, de Hassan Fazzili © 2019 Sundance Institute | Foto por Jemal Countess. Premio Especial del Jurado “Impacto para el cambio” en Documental de Cine Mundial: Honeyland, dirigida por Tamara Kotevska y Ljubomir Stefanov Fejmi Daut y Samir Ljuma, el dúo cinematográfico macedonio de Honeyland. Feimi Daut fue picado varias veces durante el rodaje. Samir fue picado una sola vez. Premio Especial del Jurado en Cinematografía en Documental de Cine Mundial: Honeyland, de los cineastas Fejmi Daut y Samir Ljuma Samir Ljuma acepta el Premio Especial del Jurado en Cinematografía en Documental de Cine Mundial. Foto de Graham Sheldon COMPETENCIA DOCUMENTAL DE ESTADOS UNIDOS Premio del Gran Jurado en Documental de Estados Unidos: One Child Nation, dirigida por Nanfu Wang y Jialing Zhang. (Adquirida por Amazon) Premio del Público en Documental de Estados Unidos: Knock Down the House, dirigida por Rachel Lears (Adquirida por Netflix) Un fotograma de Knock Down The House, de Rachel Lears, Cortesía del Sundance Institute | Foto de Rachel Lears Premio a Dirección en Documental de Estados Unidos: American Factory, dirigida por Steven Bognar y Julia Reichert. (Adquirida por Netflix) Los directores Bognar y Reichert se besan en el escenario de Sundance luego de ganar el Premio a Mejor Dirección en su categoría. Foto de Rin Ehlers Sheldon Premio Especial del Jurado por Urgencia Moral en Documental de Estados Unidos: Always in Season, dirigida por Jacqueline Olive la directora de Always in Season, Jacqueline Olive. Foto de Graham Ehlers Sheldon Premio Especial del Jurado para Cineasta Emergente en Documental: Jawline, dirigida por Liza Mandelup Liza Mandelup, directora de Jawline. Foto por Graham Ehlers Sheldon Premio Especial del Jurado para Edición de Documental de Estados Unidos: Apollo 11, editada por Todd Douglas Miller (Adquirida por Neon) El editor Todd Douglas Miller acepta el premio por Apollo 11. Foto de Graham Ehlers Sheldon Premio Especial del Jurado para Cinematografía en Documental de Estados Unidos: Midnight Family, director de fotografía: Luke Lorentzen. Luke Lorentzen es también el director de Midnight Family. Fotograma cortesía del Instituto Sundance. Imagen de Luke Lorentzen. CATEGORÍA NEXT: The Infiltrators se llevó tanto el Premio “Innovador” como el Premio del Público. Maynor Alvarado y Manuel Uriza aparecen en The Infiltrators de Cristina Ibarra y Alex Rivera. Cortesía del Sundance Institute | Foto de Lisa Rinzler. COMPETENCIA DRAMÁTICA DE ESTADOS UNIDOS Premio del Público a Drama de Estados Unidos: Brittany Runs a Marathon, dirigida por Paul Downs Colaizzo El director de la comedia Brittany Runs A Marathon, Paul Down Colaizzo. Foto de Rin Ehlers Sheldon Premio a Dirección en Drama de Estados Unidos: The Last Black Man in San Francisco, dirigida por Joe Talbot Joe Talbot dedica su premio a su mejor amigo de toda la vida, el colaborador Jimmie Falls y a “todas las personas que intentan quedarse en San Francisco”. Premio de guión Waldo Salt a Drama de Estados Unidos: Share, guión de Pippa Bianco Pippa Bianco acepta el codiciado Premio de Guión por Share, que también dirigió. Premio Especial del Jurado a la Visión y el Arte en Drama de Estados Unidos: Honeyboy, dirigida por Alma Har’el Alma dirigió el guión de Shia LeBeouf basada en sus experiencias de la vida real con su padre y la rehabilitación. Premio Especial del Jurado a la Colaboración Creativa en Drama de Estados Unidos: The Last Black Man in San Francisco, dirigida por Joe Talbot. El actor Jimmie Falls acepta el Premio a la Colaboración en nombre del equipo de The Last Black Man in San Francisco. Foto por Graham Ehlers Sheldon. Premio Especial del Jurado por Logro en Actuación en Drama de Estados Unidos: Rhianne Barreto, Share. (Adquirida por HBO Films en asociación con A24.) Rhianne Barreto aparece en Share, de Pippa Bianco. Fotograma cortesía del Sundance Institute Premio del Gran Jurado en Drama de Estados Unidos: Clemency, dirigida por Chinonye Chukwu (presentada por Damien Chazelle) Chinonye Chukwu recibe el Premio del Gran Jurado en Drama de Estados Unidos por su película Clemency. Foto por Rin Ehlers Sheldon ¿Quieres saber quién elige a los ganadores? Los jurados de este año fueron Desiree Akhavan, Damien Chazelle, Dennis Lim, Phyllis Nagy, Tessa Thompson, Lucien Castaing-Taylor, Yance Ford, Rachel Grady, Jeff Orlowski, Alissa Wilkinson, Jane Campion, Charles Gillibert, Charles Gillibert, Ciro Guerra, Maite Alberdi, Nico Marzano , Véréna Paravel, Young Jean Lee, Carter Smith, Sheila Vand y Laurie Anderson… y, por supuesto, los más de 125.000 fanáticos del cine que asistieron al festival.

El iPad Pro ha estado en el mercado desde hace un tiempo, pero el “Pro” en su nombre aún tiene que cumplir con las expectativas. Hablé con Pedro Hofmann, un realizador audiovisual de Viena, sobre cómo está convirtiendo al iPad Pro en su máquina de edición para entregas rápidas con la aplicación LumaFusion. El iPad “mas o menos” Pro La actualización más reciente de Apple a la línea iPad Pro fue impresionante – con un procesador que supera la velocidad de muchas computadoras portátiles en su línea, quedó claro durante la presentación de Keynote que es una señal de lo que está por venir. El iPad finalmente fue lo suficientemente poderoso como para ser la máquina Pro que prometieron un año antes. Con una advertencia importante: la falta de un sistema de archivos adecuado y la incompatibilidad del sistema iOS orientado al consumidor con el sistema Mac OS profesional hace que el “Pro” en el iPad Pro no sea más que una promesa superficial. LumaFusion en el iPad Pro Aquí entra Pedro Hofmann, un realizador audiovisual con sede en Viena, que se especializó creativamente en la producción de videos express de un minuto para sus clientes. Filma sus videos en su Sony a7s II, su drone DJI Mavic y otros equipos, y luego edita directamente usando su iPad Pro con la app LumaFusion. De hecho, vendió su MacBook Pro y considera que el iPad Pro es la mejor “herramienta de venta” para las producciones que ha tenido. Estoy de acuerdo con él en que mostrar las ediciones a los clientes en un iPad a menudo les entusiasma más que mostrarles algo en una computadora portátil convencional; de alguna manera, la experiencia se siente más táctil y orgánica. Acceso a archivos en iOS y WD My Passport Wireless Con respecto a su flujo de trabajo, no resulta totalmente sencillo solo porque Apple está limitando la forma en que puedes acceder a los archivos en iOS. El trabaja con el lector SD USB-C de Apple y con un disco Western Digital My Passport Wireless, que también tiene un lector SD incorporado, y le permite leer y copiar todos los sistemas de archivos de cualquier cámara (en la tarjeta SD) mientras que el propio lector de tarjetas SD de Apple ignora la estructura de carpetas de las cámaras Sony, por ejemplo, mostrando efectivamente una tarjeta vacía, a pesar del hecho de que contienen datos. El disco My Passport Wireless se convierte en una plataforma multimedia que puede enviar la data a la aplicación de edición LumaFusion. Lector SD en el WD My Passport Wireless LumaFusion Ahora, por supuesto, no es ideal que no exista un Adobe Premiere o un Final Cut Pro para iPad Pro todavía, lo que significa que es imposible mover proyectos entre tu computadora de escritorio y tu iPad hasta el momento. Sin embargo, la aplicación de edición LumaFusion es realmente impresionante en lo que es capaz de hacer: puede tener hasta tres capas de video en 4K 50 reproduciéndose simultáneamente sin ningún tipo de complicación. Y lo creas o no, también reproduce H.265 de manera extremadamente fluida debido al chip de gráficos en el iPad Pro, algo con lo que incluso las máquinas de escritorio más grandes aún tienen que luchar en estos días. LumaFusion parece ser una aplicación de edición muy capaz a primera vista, con accesos directos de edición adecuados, capas, manejo de errores tipográficos y muchas funciones avanzadas. Definitivamente vale la pena un vistazo más de cerca y parece funcionar bastante bien para entregas rápidas de edición. Edición en iPad Pro – ¿El camino del futuro? Disfruta de este video sobre el flujo de trabajo que se muestra arriba, y observa la forma de trabajar de Pedro. Personalmente no puedo esperar hasta que finalmente podamos usar un iPad Pro o cualquier otra computadora portátil para edición profesional porque creo que cambiará totalmente la forma de trabajar. La interacción directa con tu material es mucho más natural que la forma indirecta de trabajar a la que estamos acostumbrados con los teclados y el mouse, y nada ha cambiado en esa forma en los últimos 30 años. Es hora de una revolución en las interfaces profesionales. ¿Qué piensas sobre la edición en un iPad Pro? ¿Has trabajado con LumaFusion antes? Dinos lo que piensas en los comentarios.

Hala se estrenó en Sundance en la categoría NEXT, uniéndose a la extensa lista de películas que alcanzan la mayoría de edad aquí en Sundance. Este espectacular drama dirigido por Minhal Baig sigue los viajes internos y externos de un adolescente musulmán en América, una narración bellamente específica que resultará familiar, pero que al mismo tiempo resultará esclarecedora para la audiencia. Esta película hace lo que muchos de nosotros pretendemos hacer. Esta narración de impecable fotografía captura una verdad muy poco expuesta y la presenta al mundo en una oportunidad para compadecerse de su protagonista y expandir de manera óptima nuestra empatía. Conversamos con la directora de fotografía Carolina Costa para develar qué cosas involucró su proceso para realizar Hala. Geraldine Viswanathan aparece en Hala, dirigida por Minhal Baig. DF: Carolina Costa Película: HALA (dir. Minhal Baig) Categoría Sundance: Competición NEXT Cámara: Alexa Mini Lentes: Cooke S4s Filosofía de la DF: Creo que principalmente tiene que ver con tu instinto. Luego, con el tiempo, tus instintos se combinan con la experiencia. Así es como intento elegir los proyectos, tomar decisiones y dirigir a mis departamentos: sigo mis instintos. Dicho esto, me gusta comenzar siempre de nuevo en cada proyecto, no venir con los vicios y las decisiones tomadas en los anteriores. Me gusta fusionarme con la historia que le estoy ayudando a contar al director, aunque estoy segura de que siempre está filtrada por las experiencias de mi propia vida… lo que se reduce a mi única filosofía. Lee y retrata a tus personajes con empatía. Siempre trato de entender por qué estas personas han tomado esas decisiones, y por qué las han tomado hoy. cinema5D: ¿Eso se extiende a cómo diriges el departamento de cámaras? CC: Me gusta que todos estén involucrados en lo que estamos creando. Comparto todas mis referencias visuales y mi proceso creativo con cada uno (de los miembros del equipo). Con los que he trabajado antes, me gusta preguntarles sus opiniones. Eso puede suceder en cualquier momento, de la nada. “¿Qué piensas de esto?” (Pregunto) mientras miro el monitor. Cuando era asistente de cámara, tuve la suerte de trabajar para directores de fotografía que siempre me enseñaban, me inspiraban y me hacían pensar, me mantenían interesada. Yo confío en estas personas, son como una familia para mí. De lo contrario, el trabajo puede ser tedioso. cinema5D: ¿Con qué cuerpo de cámara rodaste? CC: Rodamos con un Panavised Alexa Mini. Fue más que nada un rodaje a una sola cámara, aunque filmamos durante una semana con dos cámaras. Todos mis rodajes los filmé con la familia de cámaras Alexa, y recientemente bastante con la Mini. Me gusta pensar a este formato como mi stock de película permanente. Conozco los límites, y dónde puedo forzarlos, y siento que los tonos piel están bien recreados. El tamaño también resultó importante, ya que filmábamos constantemente en locaciones reales. cinema5D: ¿Qué fue lo que te atrajo de los Cooke S4? CC:  Para mi directora, Minhal Baig (y para mí) era importante que la audiencia se sintiera comprometida y conectada con esta familia. La calidez y el bonito fall-off de los Cooke S4 resultaron la herramienta adecuada para representar a estos personajes con empatía y con los que fuese más fácil relacionarse. Filmamos principalmente con distancias focales de 18 mm y 25 mm. El extremo más angular servía como una manera de estar siempre cerca de Hala y mantener su perspectiva del mundo, que se iba ampliando a medida que avanzaba la película. También queríamos mostrar el entorno que la rodeaba, que era muy importante para Minhal – Chicago fue tratada como un personaje más. cinema5D: ¿Vieron películas juntas con la directora? ¿Cómo empezaron a preparar el look de Hala? CC: Nuestra preparación comenzó en Los Ángeles, aunque la mayor parte fue en Chicago. Al principio, Minhal me compartió su lista de películas y las vimos. Luego, (le compartí mi lista). Nuestras referencias principales fueron las películas de Asghar Farhadi y Claire Denis. También hicimos algunas sesiones con Sue Tebbutt, nuestra diseñadora de producción, en la que analizamos el guión psicológicamente, buscando cada pequeña alteración en la personalidad de Hala. Sue y yo habíamos colaborado anteriormente en otro largometraje, así que pudimos ganar tiempo, especialmente en cuanto a los colores y la definición del carácter de cada locación. Los colores nos vinieron instintivamente, y todos colaboramos en ello. Las locaciones fueron entonces influenciando estas elecciones, y asimismo íbamos modificándoles el look, especialmente la paleta de colores. Sue es genial en eso. La DF Carolina Costa y la directora Minhal Baig asisten al estreno mundial de Hala, de Minhal Baig. © 2019 Instituto Sundance | foto de Dan Campbell. cinema5D: ¿Qué descubriste durante las pruebas de lentes y cámaras? CC: Durante las pruebas de lentes, Minhal y yo decidimos las distancias focales. El extremo más angular resultó adecuado cuando estábamos cerca del personaje. Durante las pruebas de cámara, descubrimos que algunas de las decisiones de color que habíamos tomado no eran correctas, así que fue importante poner a los actores principales frente a cámara y revisar todas las decisiones que habíamos tomado anteriormente, especialmente para el vestuario y el color de las paredes. cinema5D: ¿Y las listas de tomas? CC: Nuestra lista de tomas fue muy completa. Minhal y yo tomábamos café durante 4 o 5 horas en Chicago todas las mañanas, por 6-7 días. Teníamos disciplina. Eso fue esencial para nuestro apretado cronograma de 18 días. Fue entonces cuando me di cuenta de cuán personal era esta película para Minhal, y creo que eso hizo que el proceso fuera más interesante. Ella siempre me hizo pensar desde dentro de la historia, y no al revés. cinema5D: ¿Usaste algún tipo de filtros para los lentes esta vez? CC: Siempre suelo tener filtros Hollywood Black magic de 1/4 y 1/2 en mi kit, pero realmente depende de la historia que estemos contando. Para HALA siempre usamos filtros Hollywood Black Magic de 1/4. Carolina Costa y la directora Minhal Baig en el set de Hala. Imagen cortesía del Instituto Sundance. cinema5D: ¿Hubo algún desafío particular en Hala? CC: Algo interesante sobre el diseño de iluminación de HALA es que tuvimos que decidir cuál era nuestro verdadero Norte, el cual no podríamos falsear o cambiar durante la película. Tradicionalmente, en la cultura musulmana, si estás rezando en Estados Unidos, tienes que mirar hacia el noreste. Además de los personajes, todos los miembros de mi equipo tenían que saber dónde estábamos en relación con La Meca. La dirección desde donde ingresaba el sol en esta casa tuvo una enorme importancia tanto filosófica como estética para la película. Nacida en Brasil, Carolina Costa tomó una importante decisión de ir a Londres a estudiar en la Universidad de las Artes al comienzo de su educación. Allí la llevaron al redil y su mentora fue Sue Gibson, presidenta de la BSC (Sociedad Británica de Directores de Fotografía, por sus siglas en inglés). Luego de años de trabajar como asistente de cámara y operadora en producciones británicas, Carolina se mudó a los Estados Unidos y obtuvo una Maestría de Bellas Artes en Dirección de Fotografía en el AFI (American Film Institute). Ha ganado numerosos premios por dirección de fotografía, y su primer largometraje, The Chose Ones, se estrenó en Cannes. Fue directora de fotografía de la segunda unidad de cámara en el film Suspiria, así como operadora de la primera unidad. Hizo la fotografía de la querida Icebox -presentada en el Festival Internacional de Cine de Toronto- un documental que ahora puedes ver en HBO. Asomándose en el horizonte está Wander Darkly, el largometraje de Tara Miele, protagonizada por Diego Luna y Sienna Miller, el próximo proyecto de Carolina como directora de fotografía. *HALA fue adquirida por Apple, ¡así que deberías poder verla muy pronto!    

La categoría de “Estrenos” en el Festival de Cine de Sundance está reservada para estrenos mundiales de “películas narrativas muy esperadas del año próximo”. En otras palabras, son aquellas cintas sobre las que ya se ha escuchado hablar o de las que se escuchará durante el 2019. Por lo general, tienen un director establecido o un elenco reconocido por su talento. Si bien estas películas no pueden ser elegidas para los premios del Gran Jurado, pueden obtener galardones del público, y su éxito en el festival (según las reseñas escritas y la aceptación de los espectadores) puede determinar su difusión, el nivel de financiamiento publicitario de la película, y qué tan grande (o pequeño) será su lanzamiento. Fighting with My Family ya tiene mucho a su favor, esto fue motivado por su elenco estelar, que incluye al experto en romper records de taquilla, Dwayne Johnson. Echemos un vistazo rápido sobre cómo se filmó la película del director de fotografía (DF) Remi Adefarasin. Aparición de Florence Pugh en Fighting with My Family, imagen de Stephen Merchant. Cortesía del Instituto Sundance. DF: Remi Adefarasin OBE, BSC Película: Fighting with my Family (dir. Stephen Merchant) Categoría Sundance: Estrenos (Proyección Sorpresa) Lentes: Primes Anamórficos Arri Master, Zooms Anamórficos Angenieux Filosofía del DF: Para mí, cada película es diferente, y trato de encontrar el corazón y el alma de cada una de ellas a partir del guión. En este caso, ya lo había leído; la película se basa también en una familia que existe realmente, y ya se había realizado un documental sobre ellos y su experiencia en el ring de lucha libre. Por lo general, trato de no ver cintas sobre temas relacionados a los de la película que estoy por realizar, pero, desde luego, tuve que ver ese documental. Es sorprendente como nuestro diseñador, Nick Palmer, se las ingenió para hacer coincidir los sets con el lugar donde verdaderamente vivían. ¿Cómo fue la elección de la cámara? Siendo una historia emotiva y humana, me hubiera gustado haber grabado en fílmico, pero no fue así. Elegí la confiable Arri Alexa XT y la Mini, cámaras fiables con sensores muy fílmicos. ¿Qué puedes decir acerca de los lentes? Decidimos filmar 2.39 y utilizamos un juego de Arri Master Anamorphics T1.9 primes. 1 x Angenieux HR 50-500mm T4 Anamorphic zoom 1 x Angenieux 30-72mm T4 Anamorphic Zoom 2 x Angenieux 56-152mm T4 Anamorphic Zoom   ¿Tenías un filtro de preferencia dentro tu kit? Por supuesto que con una cámara digital, necesitas filtros DN, y es aún mejor si tienes infrarrojos. Aparte de eso, utilizamos los Black Pro Mists, 1/8, ¼ y medio. ¿Cómo fue la preparación? La preparación fue bastante estándar para esta película: eliges las mejores locaciones y luego te dicen que son demasiado caras o que están muy lejos, finalmente tienes que ceder. Tuvimos el inusual problema de tener que filmar locaciones en Inglaterra y hacer que luzcan como Los Ángeles y viceversa. Los desafíos consistían principalmente en cómo grabar a una actriz y lograr que se vea como una luchadora profesional. Cuéntanos como fue el proceso de tu colaboración con Steve Merchant, el director. Habíamos trabajado juntos previamente y nos conocíamos muy bien. Además de ser un gran actor, (Merchant) también es un director muy talentoso que conocía la historia que estaba contando. Incluso ha escrito el guión. Ambos sabíamos cuál era nuestro trabajo y usábamos el humor para que las cosas fluyan rápidamente y de manera sincera. Remi Adefarasin estudió cine y fotografía en la Harrow Art School. Es miembro de la Sociedad Británica de Cinematógrafos, y su legado incluye películas como About a Boy, Match Point, Elizabeth, Elizabeth: The Golden Age, Johnny English, Little Fockers y muchas más. Por su trabajo en Elizabeth, fue nominado para el Premio de la Academia de cinematografía y además ganó un premio BAFTA (Premios de Cine de la Academia Británica) y BSC (Sociedad Británica de Cinematógrafos). Fue nombrado Oficial de la Orden del Imperio Británico en 2012.  

Ser un aficionado al cine en el Auditorio de Eccles es un particular deleite para los sentidos. Con 1400 asientos en el espacio, un pequeño sonido de sorpresa en la audiencia se ve amplificado en una profunda experiencia compartida. (Es el tipo de sensación que simplemente no podrás experimentar sentado en tu sofá viendo Netflix) Para los cineastas que han estado en Sundance, este es el sueño mayor: el sueño dentro del sueño de ingresar al Festival de Cine de Sundance. El 27 de enero, Them That Follow se estrenó en el Auditorio Eccles, y después de que pasaron los créditos, el público se puso de pie para ovacionarla. Fue el sueño dentro del sueño dentro del sueño. Entérate de cómo se crearon las imágenes de una película que provocó ovaciones en el Eccles, a través de su director de fotografía, Brett Jutkiewicz. DF: Brett Jutkiewicz Película: Them That Follow (dirigida por Britt Poulton y Dan Madison Savage) Categoría de Sundance: Competición Dramática Estados Unidos Cámara: Alexa Mini Lentes: Cooke Speed Panchros, Cooke 25-250mm Cine Varotal MkII. Filosofía del DF: Solo trato de entender la emoción subyacente en cada escena y busco formas de traducir eso visualmente para profundizar la forma en que el público experimenta la película. Para mí no solo es importante contar la historia, sino también crear una sensación, ya sea a través de la iluminación, la composición, el movimiento de la cámara o cualquier otra herramienta que tenga. También soy un gran defensor de la pre-producción exhaustiva, la investigación, las listas de tomas y la planificación de cada detalle, en gran parte porque la preparación me libera de tener que estar atento a lo inesperado – qué sucede con la luz, cómo se mueve un actor, algún detalle interesante de la locación. Me gusta crear un contexto para el lenguaje visual, pero no le doy demasiada importancia a las reglas en el trabajo de cámara. Creo que una de las cosas que más me gustan de este trabajo es poder encontrar algo emocionante y no planificado y ser capaz de aceptarlo. cinema5D: ¿Cómo diriges tu departamento de cámara? BJ: En el departamento de cámara trato de crear un entorno lo más inclusivo y colaborativo posible. Lo que me encanta de la cinematografía es que un grupo de personas con diferentes perspectivas se unen para crear algo que es mucho más que la suma de sus partes, y creo que eso también es cierto con respecto a la dirección de fotografía. Mi trabajo vive y muere gracias a los esfuerzos de mi equipo, y en esta película tuve la suerte de tener un equipo de cámara increíblemente talentoso. cinema5D: La Alexa Mini es la cámara que predomina entre los trabajos narrativos de este año en Sundance. ¿Por qué la elegiste? BJ: La película está ambientada en una comunidad rural de los Apalaches en la que pareciera que el tiempo ha pasado sin haberla notado, así que quise crear un look que no fuese demasiado moderno o nítido, y la imagen de la Alexa se siente muy orgánica, lo cual fue perfecto. También creo que el ruido digital en la Alexa tiene una calidad muy fílmica, y no quería que la imagen fuera muy limpia, así que configuré la cámara en ISO 1280 para agregar un poco más de textura que el ISO de base 800, lo que también me dio un poco más de latitud para trabajar. Hicimos un montón de trabajo a mano alzada, por lo que la Mini fue útil para mantener bajo el peso de la plataforma. Al estar en el bosque en la zona rural de Ohio, definitivamente dependíamos de la robustez y confiabilidad de la Alexa. cinema5D: ¿Qué hay de las lentes? BJ: Usamos lentes de focal fija el 95% del tiempo. Me encanta el look de estas lentes, son más suaves que los vidrios modernos, lo que ayudó a eliminar la nitidez de la imagen digital, pero igual tienen un buen contraste con un bonito degradé en el foco y mucho carácter en la forma en que producen destellos y reaccionan a fuentes de luz dentro del cuadro, lo que me ayudó a crear un look texturado y ligeramente etéreo. Thomas Mann y Walton Goggins aparecen en Them That Follow, de Britt Poulton y Daniel Savage, una selección oficial de la Competencia Dramática de Estados Unidos en el Festival de Cine de Sundance 2019. Cortesía del Sundance Institute | foto de Julius Chiu cinema5D: ¿Hiciste alguna prueba de cámara antes de la fotografía de base? BJ: Como es usual en una película independiente de bajo presupuesto, no tuvimos mucho tiempo para probar la cámara. Me incliné por este formato y estas lentes basado solo en experiencias previas, y cuando el paquete llegó a Ohio (un par de días antes de comenzar a filmar), tuve la chance de realizar algunas pruebas básicas para definir el look. Mi colorista Nat Jencks me envió algunas LUT que él creó en base a nuestras discusiones, y las analicé con nuestro material de prueba y elegí una que luego usé para todo el rodaje. Prefiero definir el look en la pre-producción en vez de usar un look estándar 709 o K1S1 y crear el look en post-producción. De esa manera, lo que todos ven en los monitores, en los dailies y en edición es parecido a cómo quiero que se vea la película cuando realice la gradación de color. cinema5D: ¿Cómo fue el trabajo con los directores para ponerse de acuerdo respecto al look? ¿Vieron alguna película juntos? BJ: Algunas de las películas que a Britt, a Dan y a mi nos gustaron como referencias fueron Wuthering Heights, filmada por Robbie Ryan (BSC, ISC), Mud, filmada por Adam Stone y Mustang, filmada por David Chizallet y Ersin Gok. También vimos fotografías de Stacy Kranitz, quien documentó las comunidades de los Apalaches y las congregaciones donde manipulan serpientes. cinema5D: ¿Contaban previamente con storyboards y/o listas de tomas? BJ: No hicimos un storyboard, pero hicimos muchas listas de tomas. Las listas de tomas tienen mucho valor para mi. Me permiten discutir cada escena con el director de una manera muy detallada y realmente da lugar a conversaciones prácticas y creativas que resultan increíblemente informativas. cinema5D: ¿Cómo fue trabajar con un dúo de directores? BJ: Nuestro proceso durante la producción fue muy orgánico. Consultábamos nuestra lista de tomas, pero muy a menudo solo respondíamos a cómo los actores interpretaban la escena y cómo funcionaba el bloqueo de los espacios. Britt y Dan llegaron a este proyecto con una visión específica y un sentido profundo del mundo que intentaban crear, pero también estaban muy abiertos a colaborar en la forma en que lo traduciríamos visualmente. Fue una experiencia increíble trabajar con ellos para dar vida a la película, y me siento muy afortunado de ser parte de ella. El DF Brett Juttkiewicz en el set de Them That Follow cinema5D: ¿Algún filtro de preferencia en tu kit? BJ: Sólo el set de filtros ND estándar y un polarizador, los Panchros ya otorgaban la calidad y el carácter que estaba buscando. cinema5D: Hay muchos looks y locaciones diferentes en esta película por tratarse de una producción independiente. ¿Puedes contarnos un poco sobre cómo encaraste la iluminación? BJ: Usamos una gran cantidad de tubos LED Quasar Science, que no son una tecnología reciente, pero en lo que respecta a la iluminación con luces LED livianas, creo que su fidelidad cromática es excelente. Los usamos de muchas formas: Pegamos con cinta un par de LEDs de 2 pies en interiores, donde los techos bajos hacían que fuera importante afectar un espacio lo menos posible. Construimos conjuntos de 24 tubos que usamos en un cóndor para exteriores nocturnos, o para proyectar luz a través de ventanas en interiores diurnos, e incluso filmamos una escena de ruta nocturna con solo un tubo magnético pegado al capó del camión de filmación. También fueron muy importantes en la locación de la iglesia, donde usamos los tubos T8 fluorescentes adosados a la cámara que estaban conectados a un dimmer donde el gaffer Lyon Taylor podía atenuarlos en vivo viendo un monitor para los largos planos con steadycam, de esa forma iluminamos a los actores desde atrás y evitamos que la cámara proyectara sombras. Los trabajos previos de Brett incluyen los largometrajes: Orchard’s Wanderland y The Preppie Connection, dirigidos por Joseph Castelo, la competidora en el Festival de Cine de Tribeca, Men Go To Battle, Lily, dirigida por Matt Creed; otra que también compitió en Tribeca y en el SXSW, Swim Little Fish Swim, y Daddy Longlegs, que compitió en Cannes, en Sundance, y ganó el Premio Cassevetes en el ISA.

Afuera hacen unos -7 grados celcius maravillosamente invernales, y eso quiere decir que estamos en el Festival de Cine de Sundance 2019 en Park City, Utah. Afortunadamente, tenemos una gran cantidad de increíbles documentales que ayudan a mantenernos abrigados. El director de fotografía (DF) David Paul Jacobson analizará su trabajo en el documental “Ask Dr. Ruth”. La película muestra el viaje de la Dra. Ruth desde su experiencia como sobreviviente del Holocausto hasta su fama como terapeuta sexual. Fotograma de Ask Dr. Ruth, por Ryan White, Cortesía del Sundance Institute | fotografía tomada por David Paul Jacobson DF: David Paul Jacobson PELÍCULA: Ask Dr. Ruth (dir. Ryan White) CATEGORÍA SUNDANCE: Documentales estrenos CÁMARA: Canon C300 MK II LENTES: Zeiss CP2, Canon L, Angenieux Zoom cinema5D: ¿Cuál fue tu método para filmar Ask Dr. Ruth? DPJ: Las películas no se hacen en el aire, y cada proyecto individual merece un enfoque propio. En la mayor parte de Ask Dr. Ruth fui miembro de un departamento de cámaras donde solo estaba yo, lo cual se manifiesta mucho en cómo fue abordado. Casi la mitad de los 90 años de la Dra. Ruth han sido registrados frente a algún dispositivo de grabación, pero queríamos que esta vez ella se sintiera diferente. Mantener una presencia casi imperceptible fue una forma muy práctica de conservar el ambiente lo más íntimo posible. La Dra. Ruth no se sentía como si estuviera en uno de sus programas de entrevistas con luces, equipo y todas esas vanidades. Eso permitió que sea menos interpretativa y así, probablemente, le muestre al público un lado de ella que nunca antes se había visto. Siendo la persona responsable del look de la película, esto planteó algunos desafíos para mí. Al final, me llevó a filmar con un enfoque más instintivo y activo, del cual aprendí mucho. cinema5D: ¿La necesidad de mantener una presencia imperceptible influyó a la hora de elegir la cámara? DPJ: Ryan y yo usamos nuestras C300 Mark II. Somos grandes admiradores de este sistema, porque es confiable para realizar el trabajo documental, los colores son excelentes, la latitud es impresionante y se puede ampliar infinitamente según nuestras necesidades. En general, Ryan sostendría la cámara a mano alzada con una configuración simplificada y yo armaba mi cámara para poder montarla sobre mi hombro o sobre un Easyrig. cinema5D: ¿Qué lentes usaste? ¿Por qué? DPJ: Tengo un set de Zeiss CP.2 super speeds y una amplia variedad de lentes de la serie L de Canon. Los Zeiss primes funcionan excelente cuando los sujetos no suelen moverse mucho, pero recurrimos a los zooms de la serie L, sobre todo por necesidad. La doctora Ruth siempre está en movimiento y constantemente inicia conversaciones en los lugares más precarios. Los zooms de Canon ofrecieron una buena calidad de imagen y mantuvieron el tamaño general del conjunto de la cámara. Hacia el final de la producción, comenzamos a alquilar lentes Angenieux EZ 1 y 2. Me han gustado tanto que ahora soy un orgulloso dueño. En el trabajo documental no debe sobreestimarse la practicidad de usar un zoom con una rápida apertura T2. Fotograma de Ask Dr. Ruth, por Ryan White, Cortesía del Sundance Institute | fotografía tomada por David Paul Jacobson cinema5D: Cuéntanos un poco acerca de la preproducción de este proyecto. ¿Tú y el director, Ryan White, han visto alguna película juntos? DPJ: Debatimos mayormente sobre las cosas que no tendríamos. La intimidad y la agilidad fueron claves para esta producción. Estaba claro desde el principio que no iba a tener ninguna cámara o soporte de iluminación, así que tuve que construir un paquete de cámara que pudiera ser cargado por mí mismo. Estaba preparado para el desafío, pero definitivamente me encontraba fuera de mi zona de confort. cinema5D: ¿Habían trabajado juntos previamente? Ryan y yo hemos trabajado juntos varias veces, y sé lo que quiere como director. Debido a que estábamos filmando principalmente vérité con Ruth, nuestras conversaciones a menudo se trataban sobre la terminología de lentes y el movimiento de la cámara, con qué lentes filmar a Ruth y a qué distancia. Me advirtieron sobre la naturaleza cinética de Ruth y realmente quería que la cámara reflejara eso. En lugar de quedarme lejos y con lentes más largos, quería usar angulares, estar cerca y a la diminuta altura de 1,40 metros de Ruth siempre que fuese posible. cinema5D: ¿Cómo trabajaste con el director, Ryan White, durante la producción? DPJ: Ryan y yo tenemos una gran relación instintiva. Una de las cosas más difíciles de hacer como director de documentales es detener una acción o interrumpir un momento porque algo no funciona visualmente. Ryan siempre me apoya en esos momentos y ayuda a que el talento esté tranquilo. Los directores de documentales siempre quieren estar filmando, como corresponde, así que es genial contar con su apoyo. Ryan también es mi operador de segunda cámara. Siempre lleva una cámara con él y sabe cuándo una escena exige una cobertura cruzada o tomas de detalles pequeños que no tengo tiempo de captar en ese momento. Foto cortesía de David Paul Jacobson. cinema5D: ¿Usaste alguna nueva herramienta o tecnología para esta filmación? DPJ: La Dra. Ruth mide 1,40 metros, y yo soy 30 cm más alto que ella. Sabía que necesitaba comenzar a hacer sentadillas en el gimnasio o simplemente no podría cargar la cámara sobre mi hombro. No quería usar ningún gimbal ni equipos de Steadicam ya que solo estaba yo, así que me decidí por un Easyrig con un brazo Flowcine Serene. Si bien no es perfecto, se convirtió en una herramienta esencial. La capacidad de rastrear con una estabilidad razonable al nivel de la vista de Ruth o por debajo de ella era exactamente el look que quería alcanzar y no habría podido lograrlo con nada más. Otros créditos de David Paul Jacobson incluyen su trabajo en The Jinx y Room 104 de HBO y The Keepers para Netflix. Puedes ver más en su sitio web AQUÍ.  No tendrás que esperar mucho para ver la película. Hulu consiguió los derechos del proyecto antes del festival, así que mantente atento a la información acerca de cuándo se emitirá Ask Dr. Ruth en el living de tu casa.

Es posible que conozcas al director de fotografía (DF) Matt Porwoll, por su trabajo en el desafiante documental Cartel Land, nominado al premio de la academia. Ya lo hemos presentado el año pasado en Sundance por su desempeño en la película The Trade. Está de vuelta en el festival con una nueva película, Tigerland, dirigida por el veterano director de documentales Ross Kauffman (Born into Brothels). Tigerland muestra la lucha en Rusia y la India para proteger a los tigres de la extinción. Crédito de la imagen: Discovery DF: Matt Porwoll PELÍCULA: Tigerland (dir. Ross Kauffman) CATEGORÍA DE SUNDANCE: Competencia de documentales de Estados Unidos CÁMARAS: Canon C300 MKII, Helio ROJO, DJI Osmo LENTES: Canon K35 Primes, Canon CN-E Compact Zooms DRONE:  Inspire 2 con licencia RAW Filosofía del DF: como documentalista cinematográfico, siempre trato de sumergirme en la experiencia y capturarla de la forma en que mejor transmita la vivencia del personaje. Esto suele resultar difícil, pero también es lo que más me gusta de los documentales vérité. Cuanto más tiempo pases con tus personajes, más te relacionaras con ellos y así, podrás ofrecerle al público una visión más clara. Es por eso que trato de construir, con los intérpretes, relaciones basadas en la confianza. En ese momento no me gusta que haya mucha gente en la sala. Idealmente sólo el director, la cámara y el sonido. Muchas veces sólo está la cámara y el sonido, con el director mirando afuera del sitio. Cuanto menos se sienta que estamos haciendo una película y cuanto más creamos que somos participantes activos de aquel momento, mejor será. Este criterio se manifiesta también en la manera en que me agrada trabajar con el equipo. Cuando hay un asistente de cámara conmigo, me gusta que sea alguien que pueda anticiparse; Que piense en lo que podría venir y se prepare para ello. Me gusta que sea versátil, porque en la producción documental, menos es más. Cuando fuera de la sala hay alguien preparado con lo que pueda llegar a necesitar y al mismo tiempo está ocultándoles el proceso a los personajes, eso hará que la película sea más especial. Obviamente puede ser una tarea complicada, pero si nos guiarnos por este principio, entonces estaremos en un buen punto de partida cuando las cosas se dificulten. cinema5D: ¿Qué cámara elegiste para esta película? ¿Por qué? MP: Elegimos filmar Tigerland con la Canon C300 MKII por varias razones. Esta historia exigía imágenes hermosas tomadas en 4K, pero también tenía los desafíos de un documental vérité que requiere flexibilidad en el tamaño de construcción y capacidad de resistencia ante condiciones de filmación difíciles. He sido un usuario de esta cámara durante mucho tiempo, y me parece extremadamente capaz de cumplir con todos esos requisitos. En esta película, estábamos rodando Ross Kauffman -el director- y yo, por lo que pudimos construir la cámara a nuestro gusto, desde una configuración compacta sólo para el cuerpo hasta un equipo completo montado en el hombro. En ese sentido, es increíblemente flexible. Filmamos en todo tipo de lugares, desde una moto de nieve en el lejano oeste de Rusia hasta la parte trasera de camiones polvorientos en la India, con temperaturas que van desde 35 ° bajo cero hasta 110 °. No conozco ninguna otra cámara que pueda manejar esta gama extrema de condiciones sin atención y cuidado constante. Y para rematar, filmamos en DCI 4K con la bella ciencia de color de Canon para crear una imagen magnífica. Además de transportar 2 C300 MKII en Rusia y 3 cámaras en la India, trajimos un DJI Osmo a Rusia para filmar desde la parte trasera de las motos de nieve, empleamos un DJI Inspire 2 con CinemaDNG / RAW para las antenas y una RED Epic Helium para el slow motion en la India. cinema5D: ¿Qué lentes usaste con la Canon C300 MK II y la RED Helium? ¿Los eligen según la región o el entorno? MP: Los lentes jugaron un papel muy importante en el look de la película. Queríamos que nuestras dos historias principales tengan una sensación diferente, al mismo tiempo que tuviéramos manera de combinarlas en la edición, así que elegimos los lentes en base a eso. En Rusia, queríamos transmitir la sensación del frío y crudo invierno, por lo que optamos por utilizar un Canon CN-E de 15.5-47 mm y 30-105 mm T2.8 para las escenas de vérité. Son increíblemente nítidos, con un contraste genial que resalta esas bellas cualidades. Para las atmósferas, utilizamos los Canon K35 primes; Tienen una magnífica calidad en bajos contrastes, destellos interesantes y mucha personalidad. En la India, queríamos complementar la riqueza del color y la luz, por lo que utilizamos los K35 lo máximo posible. Las imágenes obtenidas con estos lentes son como un sueño. Cuando los lentes prime no eran apropiados, utilizamos los Canon Compact Zooms, pero los combinamos con un Tiffen ¼ Black Pro Mist para suavizar las luces y reducir ligeramente el contraste en general. Para todas nuestras imágenes de vida silvestre, utilizamos el Canon CINE-SERVO 50-1000mm T5.0-8.9. Era un lente increíble para trabajar, no solo por su excelente capacidad de teleobjetivo con los tigres o el atardecer, sino también por la capacidad de retroceder hasta 50 mm en la escena, realmente te permite sentir la locación. Crédito de la imagen: Discovery cinema5D: Cuéntame acerca de tu proceso de trabajo con Ross Kauffman, el Director. ¿Hiciste referencia a algunas películas en particular para ponerse de acuerdo sobre el look del proyecto? MP: Desde el principio, Ross Kauffman tuvo una visión muy clara de cómo quería que se vea la película. Sabíamos que habría una mezcla de elementos del cinema vérité, archivo y animación, por lo que discutimos cómo darles su propio sentido, pero permitiendo también que se mezclen para la edición. A pesar de ser un documental, muchas de las inspiraciones visuales de Ross provienen de las películas narrativas de Terrence Malick como The Tree of Life y The Thin Red Line. Queríamos que las imágenes atmosféricas tuvieran una gracia y una belleza que transmitieran adecuadamente la majestuosidad de los paisajes y el misticismo del tigre. Con estas películas en mente, intentamos capturar algo que evocaba nuestros propios sentimientos de estar en estos hermosos lugares. La elección tanto de la cámara como del lente fue fundamental para hacer realidad estas tomas. cinema5D: Respecto a la cobertura documental, ¿Piensas que han estado en la misma sintonía durante todo el proyecto? MP: Ross y yo tenemos antecedentes dentro del documental vérité, así que aunque hay una buena cantidad de este lenguaje en la película, tuvimos nuevos desafíos para llevar a cabo la poesía visual. Hablamos constantemente sobre el espíritu del tigre, su impacto en la imaginación de las personas, etc. Indagamos dentro de nuestras propias percepciones para ver cuál era la mejor manera de visualizar esas impresiones. Fue una experiencia maravillosa para mí trabajar de esta manera con un director documental. Crédito de la imagen: Discovery cinema5D: ¿Has sumado algún gadget a tu kit para este proyecto? MP: A pesar de tener varios cuerpos de cámara y un paquete completo de lentes zoom/prime, intentamos mantener nuestro equipo al mínimo ya que estábamos filmando una película vérité. Dicho esto, la principal herramienta que nos resultó increíblemente útil fue tener un DJI Ronin 2. Acababa de salir durante la preproducción, así que decidí actualizar mi Ronin original para este proyecto. Nos pareció de gran ayuda para las tomas de seguimiento de nuestros personajes y para el montaje en nuestro vehículo de safari en las tomas realizadas a través de la reserva del tigre. Siento que los planos producidos desde el Ronin 2 realmente ayudaron a elevar el nivel de las imágenes. cinema5D: ¿Tenías un filtro de preferencia dentro tu kit? MP: Para poder utilizar los mismos lentes Cinema Zoom tanto en Rusia como en la India, empleamos el Tiffen 1/4 Black Pro Mist en la India para ofrecer una sensación diferente a las imágenes producidas. También llevé siempre un juego de ND, ND Soft-Edge Grads para paisajes, un Polarizer para cielos más ricos y reflejos potentes y un filtro Clear para el polvo. cinema5D: Según tu opinión, ¿Cómo será el futuro de los documentales? Parece que estamos en una era de oro. Los documentales se han vuelto muy populares en los últimos 5-10 años. ¡Es increíble! A través de esta expansión, la expectativa respecto a la calidad se ha vuelto fundamental. Los días en que se esperaba que un documental no se vea tan bien como las películas narrativas ya quedaron atrás. Como documentalista cinematográfico, esto es emocionante, pero también bastante desafiante. Crecí aprendiendo de los grandes del cine vérité donde el mantra siempre ha sido que el contenido es más importante que el estilo. Lamentablemente, creo que la prioridad se ha desviado hacia el estilo por sobre el contenido, pero también encendió un fuego debajo de nosotros para mantener la integridad de las historias que contamos,y al mismo tiempo nos empuja a hacer que se vean lo mejor posible. Sin dudas, es un momento increíble para trabajar en esta forma de arte. Para ver más del trabajo de Matt, puedes visitar su sitio web AQUÍ. Difusión: no tendrás que esperar mucho para ver este documental sobre la conservación de la vida silvestre. Tigerland fue adquirida antes del festival y se emitirá el 30 de marzo en el canal Discovery.

Las películas elegidas para competir en la categoría NEXT en el Festival de Cine de Sundance celebran la innovación en el cine. A menudo, la innovación es técnica y está evidenciada en el enfoque, la estructura o la ejecución de la película. Otras películas logran ingresar a esta categoría por sus temas innovadores o poco convencionales. Sin lugar a dudas, en el pasado esta era la categoría que presentaba a los cineastas que asumían más riesgos, y es por eso que Sundance promete que las películas de esta categoría representan la creatividad que “dará forma a la próxima ola en el cine estadounidense”. He aquí un vistazo a una de las directoras de fotografía de la competencia NEXT: Greta Zozula. Detrás de escena con la directora de fotografía Greta Zozula DF: Greta Zozula Película: Light From Light (dir. Paul Harill) Categoría:NEXT Competition Cámara: Alexa MINI Lentes: Cooke: S4s y un Angenieux 24-290 Filosofía de la directora de fotografía: La historia es siempre lo más importante, y si no amas lo que haces, entonces no lo hagas. Eso puede parecer obvio, pero cada decisión que tomo está basada en esa idea. Sea la composición, la iluminación, el movimiento de la cámara, el color, la elección de lentes: todo está relacionado con la motivación de la historia. En cuanto a amar lo que haces, creo que debería aplicarse a todos los aspectos de tu vida. cinema5D: ¿Por qué terminaste eligiendo la Alexa MINI? GZ: Además de filmar con una cámara de cine, personalmente creo que la Alexa es la mejor opción. Te da lo que esperas de ella. No hay sorpresas. Rara vez filmé con cualquier otro sistema de cámara, pues solo estaría agregando más desafíos para mí y para mi equipo. Dicho esto, no creo que la Alexa sirva para todo. Honestamente, no confío en las cámaras que son “todo-en-uno”. Hay razones por las que las cámaras especializadas están diseñadas de la forma en que lo están, y la mayoría de ellas no son buenas para usos prácticos. La MINI es ideal para películas en las que tienes que moverse rápidamente y requieres una cámara que quepa en espacios pequeños cuando sea necesario. Marin Ireland aparece en “Light From Light”, de Paul Harrill. Cortesía del Sundance Institute | foto de Greta Zozula cinema5D: ¿Cómo te resultó el combo Cooke/Angenieux? ¿Qué motivó esa decisión? GZ: Optamos por un enfoque muy clásico para las imágenes de esta película, y creo que los Cookes son lentes muy clásicos que tienen atributos que son bien específicos de estos lentes, pero que igualmente son muy sutiles. Nada llama realmente la atención sobre sí mismo. Me encanta la suavidad natural del vidrio y los tonos más cálidos de la piel. Su característica esférica también influyó en el look. Nos decantamos por una relación de aspecto de 1:66 muy desde el principio. Muchas de las películas a las que hicimos referencia son clásicos europeos que usan un aspecto estándar de 1:66. También fue, en parte, una forma de crear composiciones que fuesen más cercanas a las pinturas que estábamos referenciando. Aunque la mayoría eran retratos, 1:66 fue lo más parecido y con lo que nos sentimos más cómodos. 4:3 nos parecía muy cuadrado y que distraía demasiado para esta narrativa. El zoom fue para tomas muy específicas que requerían zoom y para tomas que querían el extremo telefoto del lente, pero limitamos su uso en las escenas, porque solo representaba una parte de la historia. cinema5D: ¿Cómo fue la pre-producción? ¿Cómo planificaron el look? GZ: Incluso antes de la pre-producción, Paul hizo referencia a un libro llamado “Helga Series” de Andrew Wyeth. Hubo unas cuantas pinturas de esa serie que influyeron en el color y la iluminación de la película. Incluso se los mandé a mi colorista para diseñar una LUT. También hicimos referencia a Vermeer, Hopper y Eakin en determinadas escenas. cinema5D: ¿Qué descubriste durante las pruebas de cámara? GZ: Las pruebas de cámara fueron muy limitadas, pero hicimos muchísimas pruebas con linternas y luces de utilería. Esto se debió a que la mayor parte de la película se iluminó casi completamente con linternas, por lo que era importante encontrar la temperatura de color, la distribución y la forma correctas para la iluminación. Descubrimos que necesitábamos mezclar linternas con rebotes colocados estratégicamente y superficies reflectantes para obtener el efecto correcto. cinema5D: ¿Tu y el director vieron alguna película juntos? GZ: Juntos, no. Vimos escenas de películas para ideas específicas, pero en lo que respecta al look de la película hicimos más referencias a pinturas. Marin Ireland y Jim Gaffigan aparecen en “Light From Light“ de Paul Harrill. Cortesía del Sundance Institute | foto de Greta Zozula cinema5D: ¿Hubo storyboards? GZ: Nada de storyboards. Solo una lista de tomas general como referencia y para el cronograma, pero a menudo nos inspirábamos en el momento. cinema5D: ¿Cómo fue tu colaboración con el director durante la producción? GZ: Trabajamos bien. Hubo mucha confianza que nos permitió concentrarnos en nuestros trabajos específicos en el set. Con un cronograma tan rápido, a menudo teníamos que comenzar a iluminar la escena siguiente mientras grabamos la anterior, por lo que fue clave que estuviéramos sincronizados y que pudiéramos llegar al set temprano para discutir cada escena con el asistente de dirección para refrescar nuestra memoria. cinema5D: ¿Hay algo exclusivo en esta película que haya surgido de tu colaboración? GZ: Un equilibrio sutil entre emoción y drama. Esta película es dramática pero era fácil exagerar este aspecto según la elección del lente en momentos específicos. A menudo nos dimos cuenta de que cuando normalmente usas un primer plano para lograr un efecto emocional, nosotros preferíamos usar un plano medio o enfocar al otro personaje para atenuar los elementos dramáticos, sin por ello perder la importancia del drama en toda la estructura… Guardamos los primeros planos para los momentos adecuados. cinema5D: ¿Tienes algún set de filtros preferidos en tu kit? GZ: Normalmente uso los filtros Glimmerglass. En ocasiones usaba un Black FX o un Smoque si era pertinente. Por lo demás, usaba el filtro MRT de vez en cuando. Lo uso principalmente como un filtro ND variable para ahorrar tiempo, pero tiene muchos usos si quieres ser creativo. Marin Ireland y Josh Wiggins aparecen en “Light From Light” de Paul Harrill. Cortesía del Sundance Institute | Foto de Greta Zozula. cinema5D: Cuéntanos un poco sobre tu forma de iluminar específicamente para esta película. GZ: La iluminación influyó bastante en el desarrollo del tono y de los personajes de la película. Cada locación tenía su propio estilo de iluminación. La casa de Shelia influyó bastante en los momentos emotivos en la película. La iluminación refleja en gran medida los cambios de humor a lo largo de la película. Algunas escenas son suaves y luminosas y otras se hunden fuertemente en las sombras. El lugar donde Shelia trabaja es chato e iluminado solo por luces fluorescentes. Se siente estéril y deprimente, lo que es fiel a su estado emocional cuando está en su trabajo. La casa de Richard tuvo varios looks, pero en general para las escenas de día, poníamos luz día a través de las ventanas y permitimos más sombras y contrastes. Para las escenas nocturnas, utilizamos luces puntuales de utilería, lo que creaba mucha sombra alrededor. En general, esto mantuvo un cierto misterio alrededor de la casa de Richard. Luego estaban las linternas que juegan un papel clave en la película, que es la investigación de Shelia. Las linternas son una herramienta práctica en la película, pero también agregan suspenso y crean una distinción literal entre luz y oscuridad en esta película. cinema5D: ¿Algún desafío en particular? GZ: Las linternas, por supuesto. Fue difícil hacer que se vean bien y reales al mismo tiempo. Me cuesta mucho iluminar escenas cuando la luz no está motivada. Puedo permitirme aceptar luces que no están motivadas en una película, pero personalmente, es algo que me vuelve loca. Creo que Matt (el gaffer) y yo terminamos encontrando el equilibrio, pero fue mucho prueba y error. Por lo demás, lo peor siempre es la continuidad de luz en exteriores. Es imposible de controlar y casi siempre es un problema. En general fuimos bastante afortunados, pero tuvimos que empatar escenas que iban de niebla y lluvia a soleado en la misma secuencia, lo que al final creo que funcionó emocionalmente, así que no distrae la atención de la historia. cinema5D: ¿Qué fue lo que realmente te dejó satisfecha al final del rodaje en términos de estética? GZ: Cuando hicimos el color de la película, pudimos ver toda la película en pequeños fotogramas lado a lado, y el hecho de poder ver las combinaciones de colores y cómo pudimos expresar las emociones de las escenas con colores y luces tan bien y ver la progresión tan claramente fue lo más gratificante para mí. No necesariamente fue una sorpresa, sino la confirmación de que el trabajo que pusimos en esta idea realmente dio sus frutos y fue algo por lo que valió la pena luchar. Estoy realmente orgullosa de la continuidad concisa de la película. Todo funciona y tiene un propósito. No hay movimientos de cámara sin un propósito ni iluminación de belleza. Es natural y poética cuando lo tiene que ser. Marin Ireland aparece en “Light From Light” de Paul Harrill. Cortesía del Sundance Institute | foto de Greta Zozula cinema5D: Pareciera que estamos en un nuevo rumbo en la cinematografía. ¿Cuál es tu opinión sobre dónde estamos y hacia dónde nos dirigimos? GZ: Esta pregunta me hace volver siempre a lo mismo. Como directora de fotografía, me encanta poder participar en un proceso que cuenta historias que pueden llegar a mucha gente. En lo que respecta a la tecnología, creo que los directores de fotografía tenemos que demostrar que valemos más que los meros conocimientos técnicos de las cosas, y que somos una parte muy importante en la colaboración que va más allá de la imagen. Los directores pueden encarar una película de muchas maneras diferentes. Algunos prefieren concentrarse solo y únicamente en las actuaciones. En ese escenario, un director de fotografía tiene que conocer tanto (sino más) el guión como el director. En cuanto a tener el control de la imagen, es importante saber cuánto control será delegado a la post-producción y tenerlo en cuenta en el set. Si le das demasiado control a la edición o al color, entonces de alguna manera estás sacrificando tu rol. Así que tienes que ser inteligente respecto a los proyectos que eliges y pensarlo de antemano. cinema5D: ¿Cuál es tu opinión sobre dónde estamos y hacia dónde nos dirigimos? GZ: ¡Creo que la experimentación es genial! Las nuevas lentes y cámaras permiten más ideas, y no creo que haya nada malo en eso. Creo que es importante conocer estas cosas, pero de nuevo… no creo que eso sea lo que vuelve valioso a un director de fotografía. Es una parte, sin duda. Es crucial conocer las lentes correctas para filmar una película, pero si vas a experimentar con algo que está de moda porque tiene un look nuevo o lo que sea, solo asegúrate de que ese look sea el adecuado para la historia también. Greta Zozula fue la directora de fotografía de la película Never Goin’ Back, de Augustine Frizell, que fue Selección Oficial tanto en Sundance como en SXSW en 2018. La película fue luego adquirida por A24. Su trabajo en el cortometraje de Charlotte Glynn, The Immaculate Reception, le valió un Premio al Director de Fotografía Emergente, y el cortometraje Fry Day de Laura Moss, en el que ella fue la DF, fue nominado para el Premio del Gran Jurado en el Festival SXSW. Dato curioso: Greta fue la 1ra Asistente de Cámara en Manchester by the Sea de Kenneth Lonergan.